10 TRUCOS MAGISTRALES PARA PRODUCIR MÚSICA ELECTRÓNICA

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A VECES, LA PRODUCCIÓN MUSICAL PUEDE SER UN CAMINO DURO, Y ESO SIN TENER EN CUENTA EL TEMIDO BLOQUEO DE IDEAS. DALE UN DESCANSO A TU DAW Y DESCUBRE ESTOS CONSEJOS Y TRUCOS DE PRODUCCIÓN REVELADOS POR DIEZ ESTRELLAS…

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La producción musical es un proceso de aprendizaje y práctica que nunca se termina. Siempre hay nuevos trucos que probar, herramientas innovadoras por conocer y nuevas formas de acercarse al arte de crear música. Mientras que una reacción habitual es la frustración, si indagas un poco más, descubrirás un excitante mundo de posibilidades, donde no hay un único camino para hacer las cosas -tienes todas las puertas abiertas.

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Hoy, nos gustaría compartir contigo estas diez perlas de sabiduría en la producción musical, extraídas de una serie de entrevistas con algunos de los mejores productores musicales de todo el espectro de la música electrónica. Los consejos compartidos abarcan desde lo más práctico y directo a lo más filosófico, unas áreas que consideramos increíblemente importantes para fomentar el desarrollo de las técnicas personales de producción musical.

Así que, tanto si estás creando tu hueco dentro del universo de la música dance, como si quieres plasmar todo tu potencial en Hip Hop, esperamos que encuentres un montón de inspiración a continuación… ¡Sumérgete en el contenido y disfruta!

1 → FOUR TET: ECUALIZA CON MUCHO CARIÑO

En el recurso arriba enlazado de Pro Tools sobre dos temas extraídos de su álbum There Is Love In You, Four Tet explica cómo imprime su sello personal, con un sonido cálido y orgánico. Desafiando los convencionalismos de que plugins y hardware analógico son el camino a seguir para lograr ese sonido, Four Tet nos revela con total tranquilidad que se asegura de no ecualizar demasiado sus pistas individuales.Por supuesto, dependerá de los sonidos y samples con los que estés trabajando y las frecuencias que deseas realzar o atenuar en ellos, ¡pero ser cuidadoso con lo que quitas a tus sonidos es un consejo que bien merece la pena!

2 → RJD2: RIQUEZA PARA TUS BATERÍAS HACIENDO “COPIAR Y PEGAR”

El productor de Hip Hop RJD2 comparte su mejor consejo para crear un bombo con pegada en el vídeo enlazado. Su técnica viene a ser algo así: encuentra un sample que quieras utilizar como tu bombo principal, cópialo, bájale el tono, aplica un filtro paso-bajo, estruja la resonancia, y vuélvelo a mezclar con el sonido original… ¡La sencillez personificada!
El truco de RJD2 obra maravillas al añadir riqueza y grosor a su sonido en minutos. Asegúrate también de probarlo en otros sonidos de batería, desde cajas y palmadas hasta en platillos y timbales.

3 → KIRK DEGIORGIO: PROCESAMIENTO SUTIL PARA UN GRAN IMPACTO

Kirk Degiorgio, una leyenda de la música dance UK, es un peso pesado en el mundo de la producción musical. En el vídeo enlazado, Kirk nos demuestra con una de sus pistas cuán efectivo puede llegar a ser la aplicación de un procesamiento sutil. En este caso, comprimiendo una pista de batería.
Un error fácil como productor principiante es asumir que una cadena de procesamiento con muchos plugins te conducirá automáticamente a que todo suene mejor. Kirk Degiorgio nos muestra en el vídeo que aplicar sólo 1 ó 2dB en la reducción de ganancia, puede tener un gran impacto en la sensación y energíaque transmite esa pista. ¡Menudo genio!

4 → KODE9: EMPIEZA CON ALGO SIMPLE

A menudo, emprender un nuevo tema puede convertirse en el momento más frustrante de ese viaje que es la producción musical. En esta charla de Ableton, el dueño y señor del sello Hyperdub y productor experimentado Kode9, revela su truco favorito en el momento de enfrentarse al terrible bloqueo inicial de una “hoja en blanco”…Su consejo es que empecemos con un sample y construyamos nuestro tema alrededor del mismo. ¡Jamás habíamos recibido un consejo tan simple y efectivo!

5 → CARL CRAIG: PRESTA ATENCIÓN A TU SUBGRAVE

Asegurarte de que el sonido de tu bombo tiene una buena pegada alrededor de 100-120Hz parece esencial al crear una pista satisfactoria de batería. Sin embargo, la leyenda de Techno Detroit, Carl Craig, nos recuerda en la vídeo-entrevista enlazada que los subgraves son a menudo lo que realmente importa, tanto en tus producciones como en los clubes.
Coge un ecualizador y aplica un leve realce a tu bombo (o ‘foot’ -pie-, como lo denomina Carl) en cualquier zona de 60 a 100Hz, para así destacar ese boom que hará maravillas en tu tema -ojo, que asegurarse de realzar la frecuencia correcta es aquí algo vital.

6 → J DILLA: PRODUCE CUANDO ESTÉS INSPIRADO

https://youtu.be/YKGm3wc3qOE

Para muchos críticos y entusiastas, J Dilla sigue siendo el rey de la producción Hip Hop, y su música continúa inspirando y educando por años desde que el productor muriese de forma prematura. En esta insólita entrevista en vídeo, se dedica a analizar una amplia gama de temas con un contagioso entusiasmo, así como sus motivaciones para crear música.La entrevista está sazonada con palabras inspiradoras para productores, pero nuestras favoritas son, una vez más, sorprendentemente sencillas -no fuerces tus creaciones y produce cuando estés inspirado. ¡Larga vida a la influencia de J Dilla!

7 → ROBERT HENKE: TUS LIMITACIONES TE HARÁN LIBRE

La célebre leyenda del dub techno Robert Henke, es tan conocida por la co-creación de Ableton Live como por su excelente música. Como muchos de los productores reunidos en este listado, casi todas sus entrevistas son desbordantes en buenos consejos para creadores musicales de todo tipo, pero en el vídeo enlazado, Henke comparte un truco que consideramos especialmente útil –limitarte en tu estudio.
Si alguna vez te encuentras en la desesperante situación de no estar contento con un tema y empiezas a acumular capas y capas de sonidos en la mezcla, con la esperanza de que las cosas mejoren, ¡este consejo es para ti! Empieza con un número reducido de elementos y añade más sólo si es necesario. Recuérdalo, ¡porque no tiene precio!

8 → MADLIB: TODA LA MÚSICA ES UNA FUENTE DE INSPIRACIÓN

Puedes pasarte todo el día viendo prácticos trucos de producción, diseño sonoro y mezcla, y jamás acercarte al nivel de conocimiento impartido por Madlib en la entrevista que enlazamos. Su muy amado sonido Hip Hop es una mezcla ecléctica y sin complejos de todo tipo de “sabores” musicales, tomando prestados samples e ideas de casi cualquier genero musical bajo el sol. Al hablar de los tipos de música que es capaz de desarrollar en un espectáculo en directo, Madlib comparte algo que toda la gente creativa podría tomar como base de inspiración. Saca tus influencias de todas partes. Mientras que los géneros Heavy Metal y Jazz pueden parecer totalmente incompatibles en una primera escucha, dándole un correcto tratamiento a su combinación, las guitarras distorsionadas llegan a convivir felizmente con las baterías de escobilla. La música de Madlib nos demuestra que su filosofía de producción puede ser profundamente fructífera.

9 → GOLD PANDA: NO TE COMPLIQUES EN TUS ARREGLOS

Un consejo excelente para aquellos que se pelean con el acabado de sus temas. El productor inglés Gold Panda nos habla sobre un refrescante y enérgico enfoque para organizar nuestros arreglos musicales. En lugar de pasar horas retocando cada nodo de cada curva de automatización, Gold Panda te sugiere que sigas tus instintos y apuestes a probar arreglos y estructuras conocidas de cuyo funcionamiento estás totalmente seguro. Si bien creemos que hay un tiempo y un momento para hacer ajustes hasta la perfección, puedes considerar tu tema como una sucesión de loops y secuencias que, en la mayoría de ocasiones, te conducirá a una producción casi acabada. De repente, tendrás más tiempo para tu siguiente tema – ¡gracias Gold Panda!

10 → FLYING LOTUS: ¡ABRAZA EL CAOS!

La elección final es un consejo de uno de nuestros productores favoritos de todos los tiempos, Flying Lotus. El prolífico trabajo de este productor ha tomado referencias de Hip Hop, Jazz, Chiptune, Beats e incluso Rock Progresivo, por lo que seguro que sabe una o dos cosas sobre cómo acabar un trabajo.En la entrevista enlazada, FlyLo revela que sus sesiones de Ableton son a menudo un caos y que su meta es terminar la canción y no crear proyectos claros y ordenados. Hallar el modo de trabajo correcto para ti, es lo que importa por encima de todo.Si encuentras que te pasas más tiempo coloreando regiones de clips en lugar de hacer música, entonces esperamos que las palabras de Flying Lotus abran rápidamente tu mente. Así que ahí lo tienes al fin, el permiso para ser caótico.

Una exploración de los modos de trabajo de otros productores puede tener un impacto directo sobre cómo haces tu música…
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TomorrowWorld se manifiesta.

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Después de 3 días de cielos grises y casi lluvias continuas, los promotores detrás del tercer año de TomorrowWorld en Chatahoochee Hills han sido forzados a cancelar el evento. El clima muy inclemente ha dejado el suelo un desastre y el festival no ha tenido otra opción que bloquear la entrada al público que no se encuentra en DreamVille.

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¿Que paso?

En la mañana del domingo, la organización del festival TomorrowWorld, nominado en 2013 como “Mejor Evento Musical” en los Dance Music Awards, tomaba la decisión de limitar el acceso a su recinto a aquellos asistentes instalados en su “DreamVille”, su área de camping. Quien no tuviera tienda en el camping no entró. Decenas de miles de personas se quedaron así sin disfrutar de la última jornada del festival aún estando en posesión de su abono.

La medida trataba de evitar que se repitieran escenas de caos como las vividas el día anterior. Escenas que han llenado Twitter de quejas.

En la noche del sábado, cuando miles de almas exhaustas trataron de abandonar el recinto del festival tras el set de cierre de Hardwell, descubrieron con pasmo que no había manera de volver a la civilización.

“El festival bloqueó el acceso a taxis y ‘ubers’.
¿Resultado? Miles de personas tiradas en plena noche en mitad de la nada”

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Sorprende que un festival multitudinario —la asistencia estimada de este año es de 160.000 personas— nacido en el centro de una industria que mueve muchos millones de dólares dé síntomas de mala planificación propios de una rave principiante.

O quizás sea la constatación de lo que muchos ya saben: en el negociado de la EDM, lo que importa es el dinero, los billetes. Y no la gente. Y mucho menos la música.

El comunicado dice:

Amigos,

Escuchamos y entendemos su frustración y decepción en el desarrollo de TomorrowWorld el pasado fin de semana.

Nuestra única meta era crear junto con ustedes el mejor fin de semana del año, estamos desconsolados por no haber sido capaces de proveer a muchos de nuestros apreciados fans la experiencia de TomorrowWorld, que incluye el viaje completo a y desde el festival.

La combinación de su energía positiva y nuestro trabajo duro no brillaron y entendemos por completo su insatisfacción. TomorrowWorld fue defraudado por un número de factores externos que no nos permitieron proveerles la experiencia que merecían. Nos damos cuenta que no podemos regresar el tiempo y hacerlo perfecto pero para aquellos que lo desean, estamos aquí para comunicarnos con ustedes directamente y escuchar sus historias, frustraciones y preguntas.

welisten@tomorrowworld.com

Ustedes son la verdadera Gente de Tomorrow y merecen todo el respeto del mundo. Como parte de esto, pueden leer aquí la política de devoluciones:

http://www.tomorrowworld.com/refund-policy

Con amor,

TomorrowWolrd.

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Fuentes:
http://thump.vice.com/
http://www.playgroundmag.net/
http://dbr.fm/

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Ocho errores de mezcla y cómo evitarlos frente al mastering de tu proyecto

VIGILA ALGUNOS ASPECTOS FUNDAMENTALES DE PRODUCCIÓN CON EL FIN DE EVITAR CLÁSICOS ERRORES DE MEZCLA QUE MÁS TARDE COMPLICARÁN LAS ACCIONES DE MASTERIZACIÓN SOBRE TU MÚSICA…

La mayoría de músicos de grabación, ingenieros de mezcla y productores, sabe bien lo que un buen mastering puede hacer por las mezclas. La masterización es una forma de arte en sí misma, y lo mejor es ponerla en manos de un especialista cuando lo que se persiguen son resultados de alta calidad -casi siempre para propósitos comerciales.
Pero incluso los ingenieros de mastering con más experiencia tienen un límite, y éste depende en gran medida del material original al que se enfrentan. Con esto en mente, echemos un vistazo a los errores de mezcla comunes que los productores cometen durante la preparación de temas musicales que, más tarde, pretenden trasladar al mastering.

EXCESO DE GRAVES

1. Una cantidad desmesurada de contenido en la gama baja de frecuencias es probablemente uno de los problemas más comunes que se detecta en los proyectos de pequeños estudios. Por lo general, suele estar relacionado con el entorno donde se ha llevado a cabo la mezcla: casi siempre se trata de estudios caseros o salas con carencias en cuanto a tratamiento acústico, y plagados de superficies reflectantes y enfrentadas que potencian los graves. El resultado es una respuesta desigual en el espectro de baja frecuencia, donde unas notas se exageran y otras quedan ocultas y casi inaudibles. Todo se traduce en una pobre y mal acabada gama de graves en la mezcla.

AGUDOS TERRIBLES

2. Al otro extremo del espectro, las frecuencias agudas también ocasionan sus propios problemas. Aunque más fáciles de detectar en tu entorno de trabajo, los agudos pueden escucharse de una manera diferente durante la fase de masterización.
En la mayoría de mezclas se perseguirá la obtención de “brillo” o un acabado pulimentado de masterización. Al aplicar esta buena práctica, la sibilancia se transforma en uno de los principales problemas.
Hazte un gran favor y utiliza un de-esser para tus pistas vocales, tal vez también un poco en los platos de batería, incluso aunque no percibas inicialmente esto como un problema. Tu técnico o ingeniero de masterización, o quizá tú mismo, lo agradeceréis más tarde. En último término, el mejor consejo es utilizar la ecualización con prudencia y moderación.

MARGEN DINÁMICO SIN VARIACIONES

3. Este es quizá uno de los temas más discutidos en conversaciones sobre mezcla de música moderna. Durante la última década, más o menos, la radiodifusión ha fomentado una batalla por llamar la atención del oyente, que ha acabado conociéndose como la Guerra del volumen (o Loudness War) -la idea de esta percepción es que, cuanto más fuerte suene un tema, mejor atrapará al oyente.

Esta mentalidad comenzó en el mundo de la Publicidad para Radio y TV -un anuncio que suena más alto, llama más la atención. Después de todo, es una consecuencia directa de la mejora en la tecnología de compresores dinámicos, que también permite crear mezclas para Radio, donde todo suena alto, con pegada y directo a tu cara.

El problema con la pegada aparente de volumen en tus producciones es que implica la compresión del margen dinámico de tus mezclas. El margen dinámico se define como la diferencia entre los niveles más fuertes y más silenciosos de tu mezcla. Lo ideal es que los temas que hayas acabado y pretendas masterizar, “piquen” en unos -3dB durante los pasajes más intensos, mientras que el resto del programa se mueva entre -6 y -8dB. Esto resultaría en diferencias momentáneas de unos 3 a 5dB en el margen dinámico.

El gran peligro que entraña comprimir el margen dinámico -o normalizar el nivel relativo del tema completo-, es que dejarás sin ningún recurso a quien se encargue del mastering. Un buen ingeniero de masterización se sirve de un empleo meticuloso de la compresión multibanda -para imprimir pegada y presencia a los graves, y/o claridad y brillo a los agudos. Y todo ello haciendo un hábil uso de diferentes algoritmos de compresión para las diferentes bandas del espectro de frecuencias.

*Las capas de limitación dinámica -comprimiendo voces, bajo, caja y demás, de una forma individualizada- preparan un camino fácil hacia un pulimento final detallado…

Muchos productores inexpertos aplican plugins compresores de masterización a su música, empleando preconfiguraciones que les brindan de inmediato una gama de agudos brillante y agresiva, y un realce en graves –con el coste de sumir todo en un fango de frecuencias. Así las cosas, la potencialidad del mastering se queda en nada, porque no hay elementos sobre los que enfatizar o restar importancia.

No son pocas las veces que un cliente quiere un máster que suene lo más alto posible, pero hizo poco o nada por controlar previamente el rango dinámico de sus mezclas. Nos gusta la analogía de dar un acabado increíble de pintura a tu coche; pero exigir que un ingeniero demastering haga todo el trabajo con una sola capa de pintura, no es lo más inteligente. Cuando se diseñan capas en el proceso de limitación dinámica -comprimiendo voces, bajo, caja y demás, de una forma individualizada- se prepara un camino fácil hacia un mejor y más detallado pulimento de la producción final.

En contrapunto, evita un exceso de compresión sobre pistas individuales por las mismas razones. A menudo, un técnico de mastering obtendrá un tema que suene dentro del margen dinámico, pero con una pista vocal que fue normalizada al borde de la distorsión. Una vez más, quedará poco espacio libre o headroom para masterizar y realizar cualquier sutileza o matiz sobre esa sección vocal.

FALTA DE PANORAMA

4. Es importante que imprimas una sensación de espacio a tu mezcla, equilibrando los diferentes elementos de un modo armonioso, y con la amplitud que permite el sistema estéreo. Con demasiada frecuencia, se tiende a panoramizar todo al centro o sin buscar los extremos, creando por consiguiente un sonido confuso, desorientado y carente de definición. Mientras que típicamente ciertos elementos han de sonar centrados -bombo, caja, voces y bajo, por ejemplo-, la panoramización es un gran modo de aportar personalidad a partes de guitarra, voces de apoyo y otros elementos de una mezcla.

Siempre es bueno desplazar algunos elementos de la mezcla un poco hacia un lado. Cuando tienes una mezcla de guitarras, metales, coros, si mantienes el centro de la mezcla menos cargado, mantendrás abierta la opción para que toda esa producción tan “molona” en la que has trabajado acabe sonando con más claridad. De ese modo, incluso necesitarás menos ecualización y efectos para realzar elementos de tu mezcla.

PROBLEMAS DE FASE

5. Dado que la mayoría de DAW ofrece pistas ilimitadas, la tentación de grabar todo en estéreo es fuerte -después de todo, una guitarra acústica bien grabada en estéreo da profundidad y carácter a un tema. Pero ten cuidado y comprueba la compatibilidad mono de tus mezclas para evitar cancelaciones de fase, relacionados quizá con micrófonos mal colocados. Pon las pistas estéreo en solo, y serás capaz de escuchar si ciertas frecuencias desaparecen cuando los dos canales se suman a mono.

No sólo los instrumentos grabados en estéreo con micrófonos son víctimas de las cancelaciones de fase. A menudo puedes acabar con un tema que tenga elementos sonando en un ultra-amplio campo estéreo, y que logran ese efecto de “fuera de los altavoces” metiendo un canal fuera de fase. Simplemente, aprieta el botón mono y escucharás cómo ese alucinante teclado, colchón de cuerdas, fondo vocal, o lo que sea, desaparecen por completo. Incluso si la idea de la escucha en mono nunca estuvo en tu cabeza (¿cómo, en plan radio AM?), ¡haciendo esto verás que tus panoramas no son lo que pensabas!

Este mismo principio se aplica también a las reverberaciones. Es muy común comprobar que una exuberante reverb hall que colocaste en la parte de voces, simplemente desaparece en mono.

PLANOS RÍGIDOS DE VOZ

6. Es difícil ser objetivo acerca de la ubicación del plano de voz en una mezcla, sobre todo si es tu propia canción. Después de todo, tú conoces la letra, y es fácil olvidar que el resto de gente, no. Tan sólo recuerda que, en la mayoría de casos, un tema puede sonar igual de “correcto” si la voz suena un poco más hacia adelante o atrás de la música.

Muchos profesionales mezclan dos o tres versiones alternativas de un mismo tema, con la voz principal más presente, otra más desplazada hacia el fondo, y quizá otra centrada. Si lo preparas de ese modo, ofrecerás todo un lujo de elección que muchos ingenieros y técnicos de masterización recibirán con una enorme gratitud.

7. Esto es una obviedad. Cuando envíes stems -grupos separados de pistas afines, como batería, bajo, guitarras, coros- para que alguien haga el mastering, asegúrate de que todos comiencen al mismo tiempo. Es un error habitual: si la voz principal no surge hasta el tiempo 00:30, por ejemplo, su stem debe incluir 30 segundos de silencio por delante.

DESCONOCIMIENTO DE TU ENTORNO DE ESCUCHA

8. Siempre nos gusta empezar nuestro proceso de mezcla escuchando discos que conocemos y amamos -mejor si son del género en el que trabajaremos-, sentados en el mismo lugar donde mezclaremos, y a través del mismo equipo. De ese modo, resulta más fácil comparar “manzanas con manzanas”. Es importante saber cómo el entorno en el que trabajamos influye sobre nuestra escucha, antes de tomar cualquier decisión.

Como puedes imaginarte, hay un sinfín de otros obstáculos que pueden hacerte tropezar durante tu mezcla y convertir cualquier trabajo posterior de masterización en una odisea -sin duda, muchos más de los que podemos enumerar en este post.

Como siempre, la recomendación final es que utilices tu oído, escuches con atención, y aprendas las reglas antes de plantearte cómo romperlas. Si todo lo demás falla, mantén los errores potenciales en mente, y estarás en el buen camino hacia unos mejores resultados.

FUENTE: http://www.futuremusic-es.com/

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El paso de la música electrónica al pop

Soy enemigo de etiquetar a las personas y las cosas, porque esa acción por si misma genera barreras invisibles que hacen que dicho ente, al cual le ponemos la etiqueta de, “algo”, no pueda crecer o desarrollarse exponencialmente.

Dicho lo anterior, para esta colaboración voy a usar el término “pop” (sí, una etiqueta) como un símil de popular o masivo. Lo de definirlo como bueno o malo es estrictamente subjetivo y en gran parte depende de su visión sobre el arte en general.

Hoy la música electrónica se ha vuelto el pop de las nuevas generaciones, con todo lo que ello implica. Si en los 90 el rock era el movimiento musical pop, estandarte de la generación X, y nombres como los de Axl Rose, Kurt Cobain o Eddie Vedder, formaba la lista de los rockstars y modelos a seguir para los jóvenes de esa generación, hoy el dance es la bandera de muchos como movimiento cultural en incluso contracultural. Al mismo tiempo, los teens no quieren guitarras eléctricas de regalo sino controladores para DJ con los que puedan emular un poco la vida desenfrenada de rockstar que llevan sus ídolos que hoy se apellidan Aoki, Harris, Guetta, van Buuren, etcétera.

La pregunta de esta colaboración es, ¿cuándo la música electrónica dejó de ser un producto de nicho para convertirse en algo extremadamente masivo? Sería tonto pensar en un solo instante cuando desde mi perspectiva han sido muchos los momentos a través de los ultimo 20 años para que esto que describo pasara. Estos son algunos de los sucesos, que desde mi punto de vista, llevaron al dance a ser lo que hoy conocemos como un fenómeno masivo:

MADONNA – RAY OF LIGHT

En 1998 los charts que definían al mercado de la música, como Billboard, ya registraban en sus listas algunos nombres del mundo de la electrónica entrando al mercado popular, como eran Fatboy Slim o The Chemical Brothers. Estos esfuerzos no dejaban de ser solo destellos de algo más grande que, años más tarde, iba a brillar como el gran diamante que era, pero para llegar a ese momento se necesitaba de un artista realmente masivo que pudiera tragarse todo el techno, big beat, y trip hop de esos años para entregarlo digerido a la masa.

Eso hizo Madonna de la mano de William Orbit, al entregarnos este que es el primer gran disco pop lleno de dance y para muestra el track que da nombre al álbum, que además tuvo un gran vídeo que en ese año ganó todos los premios que existían.

PAUL OAKENFOLD – BUNKKA

Muchos coincidimos que para que el dance se hiciera masivo habría que conquistar el mercado norteamericano y por ello no dejamos de elogiar el “crossover” que hizo David Guetta con artistas pop. Canciones como, “When Love Takes Over”, “Sexy Bitch”, o, “Play Hard”, dieron un gran empuje, pero, quién realmente dio el primer paso en 2002 fue Paul Oakenfold con su disco, “Bunkka,” al invitar a colaborar en el mismo a grandes artistas pop de esos años y convirtiendo esa producción un éxito comercial y de crítica. Quizá muchos lo compraron por Nelly Furtado, por Perry, Farrell o por el de Crazy Town, pero al final conocieron a Aoky y el sonido electrónico.

https://www.youtube.com/watch?v=XRAUKrImMrs

Dato curioso: el disco fue publicado por Maverick, el sello discográfico de Madonna. ¿Coincidencia? No lo creo.

TIËSTO – JUEGOS OLÍMPICOS EN GRECIA 2004

Nada más visto por la gente alrededor del mundo que algún evento deportivo como un Superbowl, un mundial de fútbol o, ¿qué tal la inauguración de unos Juegos Olímpicos?

Si de hay algo puede presumir Tiésto es que sólo él ha estado tocando en vivo en la apertura de un evento como este. Según Wikipedia, el evento fue visto en TV por poco más de 4.5 mil millones de personas en el planeta, además de ser el primer evento que las cadenas NBC en USA y NHK en Japón transmitieron en HD. La parte del DJ holandés fue la de musicalizar el desfile de los atletas con tracks propios que después fueron vendidos en un CD llamado, Parade of the Athletes.

Si Tiësto ya era el número 1 del mundo en ese momento, esta participación lo catapultó a niveles que ni él imagino. La música electrónica tuvo una ventana mundial para darse a conocer.

Datos curiosos: el Comité Olímpico pidió que ninguno de los tracks a tocarse tuviera letra ya que podía malinterpretarse. Los atletas holandeses sabiendo quien era Tiësto y como es esto de las fiestas dance, después de ser presentados se fueron inmediatamente a plantarse enfrente del booth del DJ para ponerse a brincar y levantar las manitas, algo que no fue bien visto por los organizadores quienes a los pocos minutos mandaron retirar a los deportistas de ese lugar.

DAFT PUNK – COACHELLA 2006

Muchos coinciden en que la presentación del dueto francés este año en Coachella fue el parte aguas en el cómo deberían ser los espectáculos de música electrónica, y es cierto, después de esto ya nada fue igual.

La pirámide fue resultado de la colaboración entre Daft Punk y Martin Phillips, un tipo experto en esto del showbussines, Quien en su momento dijo, “Queríamos crear una espectáculo que diera una experiencia similar a cuando vas a ver a Pink Floyd”.

Tal fue el éxito de esta presentación que un año después se fueron de tour con este espectáculo que conocimos como la gira, “Alive 2007,” y que además llegó a México.

¿Qué si hay más momentos que generaron un cambio para transformar al movimiento de la música electrónica a como lo conocemos hoy en día? Seguro que los hay, porque como lo escribía al principio, han sido muchos años de lenta evolución que da como el resultado el movimiento pop que hoy vemos. Lo interesante es intentar descubrir que está pasando hoy que definirá al dance como lo conoceremos en unos año.

¿Ustedes que opinan?

FUENTE: thump.vice.com

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La industria de la música electrónica está ganando dinero ¡Mucho dinero!

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Si has adquirido un boleto para algún festival, comprado una bebida en club, o incluso has dado USD $1.29 por descargar un track, puedes atribuirte la elevación del valor estimado de la industria mundial de la música electrónica a la enorme suma de USD $6.9 mil millones en 2014. La suma proviene del Informe Empresarial Anual de la IMS que computa datos y simas de un sinfín de hallazgos en la música dance y sus diversas secciones, que fueron mostrados la semana pasada en la Cumbre Internacional de Música (International Music Summit) en Ibiza, del 20 al 23 de mayo. La mayoría de esos casi USD $ 7 mil millones estimados proviene de la música en vivo, incluyendo festivales y clubes, y otros USD $ 2 mil millones provienen de Norteamérica.

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Aunque USD $6.9 mil millones son una cantidad significativa de dinero, es tan sólo 12% más que el estimado de 2013 de USD $6.2 mil millones, indicando que la expansión podría estarse estancando por toda la industria. Por comparación, el valor de 2012 se encontraba alrededor de los USD $4.5 mil millones y creció 35% al año siguiente. Como era de esperarse, un área donde ese crecimiento se ha detenido es la venta de discos. Aunque durante 2013 ocurrieron lanzamientos como Random Access Memories de Daft Punk, Settle de Disclosure y True de Avicii, 2014 no tuvo ningún éxito equivalente, causando un declive en la venta de álbumes de música electrónica tanto para los EEUU como Reino Unido. Las ventas de sencillos también ha bajado, año tras año.

Dos de los más grandes hits de la música electrónica en 2014, “Rather Be” de Clean Bandit que les mereció un Grammy y “Waves” un remix con una nominación al mismo premio, fueron relativamente humildes en términos de ventas en comparación con monstruos crossover de 2013 como “Get Lucky”, “Latch” y “Wake Me Up”. El repunte en el streaming de música electrónica es un pequeño punto brillante en el panorama, aunque la insignificante tarifa que los artistas cobran por los streamings, deja muy poco que celebrar. Aunque las ventas de vinil han sido fuertes para la industria musical en general, no hay ninguna mención de ello en el informe de la IMS, tal vez porque después de queRandom Access Memories fuera el álbum más vendido de 2013, las ventas de vinil en 2014 fueron dominadas por artistas de rock como Jack White y los Arctic Monkeys.

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La asistencia a festivales en los EEUU se mantuvo en 1.4 millones en 2014, a pesar de la adición de TomorrowWorld, Mysteryland y un montón de eventos boutique más pequeños en el calendario. IMS cita como motivo el regreso de un fin de semana de Ultra Miami luego de un año con dos fines de semana en 2013, y predice un crecimiento en 2015 con eventos nuevos como CRSSD de AEG/Goldenvoice y One Tribe de SFX/ID, ambos en California.

No es que a nadie se le vaya a salir una lágrima, pero como demuestra el reporte de la IMS a través de un resumen de un informe de Forbes del año pasado, los salarios de los DJs también se han elevado, con ingresos en la esfera más alta con un incremento sólo del 12% con respecto a 2013, comparado con 37% el año pasado. Gracias a un montón de alianzas con marcas además de la difusión en la radio global, casi todos los derechos sobre sus canciones y créditos de producción de sus lanzamientos, y un precio de un millón de dólares la hora, Calvin Harris tiene un salario de más del doble que el DJ No. 2 con 66 millones de dólares en comparación con los 30 de Guetta.

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Se ha puesto mucha atención en el informe de este año a mercados emergentes como India, el Este de Asia y Sudáfrica, con cada territorio beneficiándose de inversiones por parte de los europeos y norteamericanos además de eventos locales como Sunburn en India. Impactantemente, la IMS no proporciona ninguna información respecto a Latinoamérica, a pesar de la expansión de festivales de marcas establecidas como Mysteryland de ID&T y EDC de Insomniac en mercados en LatAm y el fervor demostrable de los fans ahí.

Incluso a lado de los formidables cálculos del residente de la IMS, Kevin Watson, es difícil tomar en serio partes del informe que le dan crédito a Nervo respecto al éxito de las DJs mujeres en Tailandia y Singapur (página 12) o que le dan al show de “Ultimate DJ” de Simon Cowell y un museo de Frankfurt el mismo nivel de evidencia de que “la música electrónica ha penetrado a la cultura mainstream” (página 23). Aún así, como una compilación de datos que provienen de fuentes tanto creíbles (Nielsen, Forbes) como ficticias (topdeejays.com, DJ Mag), el Informe Empresarial de la IMS es una fuente de información estadística acerca de la industria de la música electrónica.

Lo que los números de 2015 nos dirán aún no se ha determinado, pero luego de muchos años de expansión explosiva (excluyendo cualquier cambio dramático en las prácticas de los actores más importantes de la escena) podríamos estar ante otros 12 meses de inercia estadística.

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Mastering para diferentes géneros musicales!

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LA MASTERIZACIÓN ES UN ARTE CONTEXTUAL, Y NO ENTIENDE DE FÓRMULAS MÁGICAS E INTERCAMBIABLES…

Mientras que las limitaciones físicos de los antiguos medios de reproducción ya no son la primera razón para el mastering de audio, la forma de pensar de un ingeniero de mastering sigue siendo la misma: añadir los toques finales a una grabación para que funcione bien en nuestro mundo, encontrando un balance entre margen dinámico, contenido en frecuencia e imagen estéreo.

Las labores de un ingeniero de mastering aseguran que una grabación sonará bien en una amplia variedad de sistemas de reproducción, soportando la codificación de un formato con pérdidas (MP3 o similares), y encajando en el contexto de un álbum.

“Podría ser de gran ayuda que el artista provea un tema de referencia con un mastering objetivo, pues su ejemplo apuntará hacia la finalidad perseguida…”
Pero es muy importante para un ingeniero el conocimiento exacto de las finalidades del artista. Algunos artistas quieren que sus producciones suenen brillantes, otros desean conseguir un amplio margen dinámico que contribuya al desarrollo de su música, y luego están quienes buscan una grabación competitiva en términos de loudness.

Podría ser de gran ayuda que el artista provea un tema de referencia con un mastering objetivo, pues su ejemplo apuntará hacia la finalidad perseguida, al tiempo que podrá ser empleado en comparaciones A/B durante el proceso de masterización.

MASTERING VARIABLE SEGÚN EL CONTEXTO MUSICAL

Si bien hay un mundo de “buenas prácticas” en cuanto al mastering de audio, los diferentes géneros musicales se benefician de la aplicación de una variedad de técnicas de masterización. Una producción dance quizá sólo contenga sonidos de sintetizadores y cajas de ritmo, pero una pieza de rock llevará guitarras, bajo, batería y voces… Tal diversidad de instrumentación se acopla después con técnicas de composición y arreglos que contrastan y que pretenden impactar en la audiencia de formas únicas. Así las cosas, el ingeniero demastering necesita abordar los diferentes masters con una sensibilidad diferencial.

En un tema hip hop energético con un inmenso y retumbante bajo, la energía ha de ser mantenida y la pegada en graves debe ser la guía: todo ello requiere dosis de compresión multibanda sabiamente aplicadas. En la imagen que viene ahora, la banda de graves está siendo comprimida de una forma severa (2.7:1) para después realzarla en ganancia (2.0dB), con la intención de preservar su energía al tiempo que se mantienen unos niveles razonables.

Mastering For Different Genres Ozone6 Image24

Por otro lado, en los términos de una grabación de música clásica -donde el margen dinámico es la sangre vital del género- será necesaria una compresión muy sutil, si es que acaso hace falta alguna. En la siguiente imagen tenemos un ratio de compresión muy comedido (1.1:1) que es aplicado para reducir levemente la dinámica.

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En el caso de un tema de rock duro que incluya una gran cantidad de guitarras con distorsión, la profundidad es la clave. La sensación de espacio es importante no sólo para crear un lugar de representación sonora, sino también para soportar la agresividad procedente de las guitarras.

Para contribuir al refuerzo de la sensación de profundidad, un ingeniero de mastering podría echar mano de la ecualización Mid/ Side, y realzar levemente la presencia lateral en agudos. Ello contribuiría a incrementar la sensación espacial sin alterar los sonidos centrados más importantes, como la pista de voces (fíjate en la próxima imagen que ilustra dicho procesamiento).

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Cada género musical posee sus propios atributos instrumental, composicional y de arreglos, y todo ello demanda una sensibilidad diferente en el momento del mastering. Un análisis pormenorizado de los ajustes preset específicos para géneros que se ofrecen en iZotopeOzone bien pudiera ser una forma interesante de aprender acerca de las diferentes técnicas de mastering, al tiempo que se escuchan los resultados. Cada tema musical es único -y algunas canciones requerirán más ajustes mientras que otras se saldarán con pocos.

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