5 tips de producción musical.

5 TIPS DE PRODUCCIÓN MUSICAL.

Me atrevo a decir que en todas las canciones que contienen una voz cantando la melodía, es el instrumento principal en la mezcla. No hay de otra, a nadie le interesa si el bombo tiene un aumento de 5 dBs, o si las guitarras necesitan más 3Khz. Lo que al oyente promedio le interesa es poder escuchar el mensaje y la letra claramente, ósea la voz. Una de las herramientas más fidedignas que te puede ayudar a lograr que tus voces suenen consistentes es el compresor. La compresión es un arma de dos filos. Si logras comprimir la voz correctamente, terminas siendo un héroe, pero si lo haces mal, puedes destruirla por completo.

1. DEPENDER SOLO DE COMPRESIÓN

Las voces modernas en conjunto con los arreglos modernos, tienden a ser bastante dinámicas y además complicadas de procesar debido a que tienen que percibirse a través de capas muy densas de instrumentación.clipinfofader Si solo dependieras de la compresión para comprimir la voz, créeme que terminarías con una voz super comprimida y lineal. Por este motivo es importante que antes de que la voz pase a través del compresor, hagas los ajustes necesarios en la ganancia directamente en la pista. De esta forma el compresor puede reaccionar y trabajar de una manera más natural y sutil.

2. USAR UN SOLO COMPRESOR

Este error me costó años y años de experiencia el aprender y darme cuenta que podía hacer un mejor trabajo si usaba más de un compresor. Mi lógica me decía que al usar 2 compresores la2a-1176-uadiba a comprimir la voz demás, pero cuando descubrí la forma de hacerlo, me sorprendí con los resultados. A mi me gusta usar 2 compresores en las voces principales en mi mezcla. Uno lo utilizo para capturar los picos que se puedan salir de control, y el otro lo utilizo para darle un sonido más uniforme y consistente.

3. SOLO APLICAR COMPRESIÓN DIRECTA

Este pequeño truco se lo aprendí a el Ing de mezcla Dave Pensado.parallel-compression-daw Aún y que ya hayas aplicado 2 compresores directamente en la pista de tu voz, siempre es una buena práctica aplicar un poco de compresión paralela en un canal aparte. De esta manera le das ese toque final a la voz para que se alcance a percibir muy claramente a través de la instrumentación.

4. TIEMPOS DE ATAQUE ERRÓNEOS

Si usas tiempos de ataque muy rápidos al comprimir la voz, estarás cortando las transientes iniciales. Estas son muy importantes ya que es la primera parte del sonido y la que nos ayuda a que el instrumento se perciba de una forma más clara.attack-and-release-knobs A mi me gusta usar tiempos de ataque medios y una liberación rápida para que la voz suene más uniforme. Quizá si estoy procesando coros si aproveche la función de tiempos de ataque rápidos para hacer que las voces se sientan un poco más atrás.

5. NO USAR AUTOMATIZACIÓN

Este tip es otro bastante valioso. Muchas veces creemos que solo por el hecho de ya haber comprimido la voz, tenemos que dejarla en un volumen fijo a lo largo de toda la canción.9 Aunque la compresión, si nos ayuda mucho a que la voz se mantenga estable a lo largo del arreglo musical, siempre es SUPER importante que hagas una automatización final. Pon mucha atención al principio y terminación de frases, que no se te pierda ni una sola sílaba. Recuerda que la voz es el instrumento más importante en la canción y por ende merece este tipo de atención minuciosa

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7 tips para una optima mezcla en estudio

7 TIPS PARA UNA OPTIMA MEZCLA EN ESTUDIO

La acción de mezclar música es un arte y una ciencia y, por ello, requiere de grandes dosis de trabajo y talento. Dicho esfuerzo, tanto físico (pocas horas de sueño, comida rápida, sedentarismo, etc) como mental (desgaste intelectual, falta de enfoque, preocupaciones, etc), puede llegar a consumirte mucha energía.

Todo esto perjudica no sólo nuestra salud, sino también nuestro trabajo, llegando a veces a hacernos perder objetividad y frescura tras largas horas de dedicación. Lo que, generalmente, redunda en una peor productividad y en resultados de menor calidad. Además de esto, cuando por fin llegas al punto en el que debes redondear el trabajo y definir los detalles, normalmente coincide con el momento en que ya has perdido toda perspectiva y eres incapaz de detectar las sutilezas, las pequeñas diferencias que existen en la mezcla. ¿Y qué puede ocurrir en esta situación? Pues, lo más probable es que tomes algunas decisiones difíciles en la dirección equivocaday, potencialmente, estropees el trabajo que tanto esfuerzo te ha costado.

Mezclar música implica enfrentarse a esta adversidades pero, afortunadamente, hay algunas maneras de solventar estas complicadas situaciones. Antes de nada, hay que tener claro que es muy importante mantener la perspectiva, ser metódicos en nuestro trabajo, saber cuándo debemos parar, cuándo hay que tomar distancia y cuándo y dónde debemos retomar la mezcla de audio. Siguiendo algunas de estas pautas, tienes muchas posibilidades, al final, de que tu trabajo suene bien, coherente y profesional, sin dejarte tu salud física y mental en el camino.

¿CUÁLES SON ESAS PAUTAS PARA MANTENER LA PERSPECTIVA AL MEZCLAR MÚSICA?

Aquí te ofrecemos no menos de siete consejos para ayudarte a mantener las cosas en su sano juicio mientras te dedicas a mezclar música…

1 Tus principales herramientas, a la hora de mezclar música, son tus oídos. Si por un uso excesivo o por otros factores de los que hemos mencionado antes, tus oídos están fatigados, debes parar. Esa es la primera norma y tal vez la más importante de todas. Tómate el tiempo necesario para que tus oídos estén descansados. Asegúrate de tomar descansos frecuentes, por ejemplo, un descanso de diez minutos cada hora o también puedes seguir la regla 90/20, esto quiere decir, parar 20 minutos cada 90 minutos.

A veces es tan importante pasar un tiempo sin escuchar la mezcla como escuchándola. De esta manera, tus oídos se actualizarán cuando retomes tu trabajo…"

2 Mezclar música es como desenvolverte entre una serie de acertijos de lógica. Por este motivo, el enfoque debe ser metódico. En muchos casos, una determinada acción afectará a algo más en la mezcla. Es importante, por tanto, prestar una cuidadosa atención a los cambios sutiles para comprender cómo influyen en las otras pistas. Intenta moverte entre la mezcla objetiva y la mezcla subjetiva, esto te ayudará a resolver de una forma exitosa este rompecabezas en el que muchas veces se convierte una mezcla de audio.

3 La función ‘Solo’ es una herramienta peligrosa. Si bien, en muchas ocasiones, esta función resulta esencial para aislar una pista con el fin de pulirla al margen del resto, al escuchar una señal aislada pierdes la referencia de cómo interactúa con el resto de la mezcla. Está bien para un instrumento solista cuando deseas comprobar si hay algún problema en el rendimiento o en la forma en la que se ha procesado una señal de audio, pero debes intentar salir rápidamente de esta situación y trabajar con la señal en el contexto de la mezcla completa.

Una opción mas adecuada es destacar, subiendo el nivel, la pista sobre la que quieres trabajar o sobre la que necesitas saber si hay algún problema. De esta manera, aunque no tienes una referencia perfecta del contexto, tendrás una base de comparación más adecuada para analizar la pista de audio.

4 Mezcla tu trabajo con diferentes altavoces y en diferentes ambientes acústicos, en particular en los entornos donde normalmente escuchas música. Si tienes alguna duda sobre cómo puede estar sonando un determinado instrumento en la mezcla, tendrás una información más clara si conoces tus altavoces.

Es muy recomendable escuchar la mezcla de audio en el mayor número posible de entornos. Todas esas situaciones de escucha del mundo real están bastante alejadas de una sala acústicamente tratada. También existen en el mercado herramientas que te pueden ser muy útiles para esta tarea como, por ejemplo, Audified MixChecker: unplugin capaz de convertir tus monitores de estudio en una multitud de dispositivos de escucha totalmente diferentes.

5 Ten a mano un conjunto de canciones con las que estés familiarizado, para que te sirvan de referencia a la hora de mezclar música. Crea una lista de reproducción con canciones que conozcas perfectamente, de esta manera tendrás una base segura sobre la que apoyarte para comparar tus mezclas. Si el cliente participa de esta etapa de la producción, puedes pedirle que te sugiera también sus referencias musicales.

6 Recuerda lo que hemos mencionado antes: tu herramienta principal son tus oídos. En muchas ocasiones, tendemos a mezclar con la vista y no con el oído. Entonces, una buena recomendación es que, en diferentes puntos de la mezcla,apagues la pantalla del ordenador y sólo escuches la música. Te sorprenderás de lo que puedes escuchar cuando no estás mirando la pantalla.

7 Cuando termines la mezcla de audio, déjala a un lado y vuelve a escucharla de nuevo al día siguiente. Este descanso físico y psicológico te ofrecerá una perspectiva mucho más fresca antes de enviar la mezcla al cliente final.

Si sigues estos consejos durante el proceso, mezclar música te resultará un trabajo agradecido, motivador e ilusionante. Aprenderás y crecerás a través de la experiencia, te sentirás seguro con tu trabajo y, sin duda, disfrutarás mucho más de tu profesión.

Fuente: futuremusic-es.com.

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Audífonos de Estudio.

AUDÍFONOS DE ESTUDIO.

Pongámonos en situación: has decidido comprar un par “correcto” de auriculares de estudio, tienes destinado un presupuesto de cierta cuantía -pongamos que está cifrado entre 100 y 250€-, pero no sabes nada más. Aquí llegamos nosotros con estos consejos puntuales para elegir bien, justo en el momento adecuado

Antes de comprar unos auriculares de estudio tienes que decidir si prefieres un diseño abierto o cerrado. Los modelos cerrados o “sellados” llevan un robusto recubrimiento exterior rodeando al auricular, mientras que en los abiertos, el “casco” lleva perforaciones a través de las cuales escapa parte del sonido. Los diseños abiertos ofrecen un sonido más natural al permitir que parte del sonido emane de la parte posterior del transductor, en lugar de limitar la escucha a una cámara cerrada que puede crear resonancias, como sucede en los auriculares cerrados.

En general, los modelos abiertos producen un sonido más espacioso y menos coloreado que los cerrados. Sin embargo, los cerrados proporcionan más aislamiento, para evitar que el usuario perciba sonidos externos y que la señal que suena por los auriculares salga al exterior.

Las implicaciones de todo esto en un estudio son que, si vas a utilizar los auriculares como retorno mientras grabas, deberían estar cerrados para que el micro no capte nada de lo que suene por ellos. No tiene mucha importancia si estás grabando señales muy intensas de una batería o un ampli de guitarra. Pero si quieres grabar una voz con auriculares a unos pocos centímetros de distancia de un micro muy sensible, no querrás que éste capte la señal de los audifonos porque añadiría sonidos no deseados a la grabación y, en el peor caso, provocaría unos molestos pitidos realimentados en un bucle que va desde los cascos al micro y viceversa.

Si sólo quieres monitorizar con los auriculares, puedes elegir cualquier modelo, pero si los va a utilizar un cantante mientras grabe su voz, deberías optar por unos auriculares de diseño cerrado.

Según nuestra opinión, unos de los mejores auriculares para grabar voces en un estudio son los clásicos Beyerdynamic DT-100 / 400-G, ya que brindan al usuario un alto grado de aislamiento. Para los demás trabajos, prueba los semiabiertos AKG K-240 Studio, que ofrecen un sonido muy detallado. Éstos también resultan muy cómodos, un detalle que nos parece bastante relevante si vas a llevarlos puestos durante prolongados períodos de tiempo.

En el caso de que optes por unos auriculares de diseño cerrado, tienes buenas opciones procedentes de los fabricantes AKG, Audio Technica, Beyer y Sennheiser.

FUENTE: futuremusic-es.com

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Levels, la herramienta que diagnostica errores en tu mezcla

LEVELS, LA HERRAMIENTA QUE DIAGNOSTICA ERRORES EN TU MEZCLA

Es bien sabido que a la hora de mezclar, son muchos los trucos y recomendaciones para evaluar la calidad de la mezcla y aunque muchas veces lo que se considera un error puede ser también un truco creativo, existen varios elementos específicos ante los cuales se suele estar muy atento al mezclar, tales como problemas de fase, rango dinámico, espacio para determinadas frecuencias, entre otros.

Si bien para ello nos valemos de varios dispositivos o herramientas –ante todo el oído mismo–, ha llegado ahora Levels, el primer plugin de Mastering the Mix, que busca ser una opción todo-en-uno para ofrecer datos de medición de forma simple, pero no solo eso, su fin es mostrar en qué aspectos tu mezcla está fallando o qué tipo de necesidades pareciera presentar, al menos dentro de cierto rango de aplicaciones de producción musical.

Su idea es simplificar procesos de medición y análisis, despojándolos de tecnicismos de tal manera que puedan ir a lo que, consideran, debe ser el foco principal: la solución de determinados errores, para ello incluyendo en una sola ventana, cuatro secciones de análisis: Headroom – para evitar clip en la señal del master y medir loudness bajo diferentes métodos, pudiendo definir un estándar determinado y medir bajo formatos EBU R128 y LUFS corto Stereo Field – dedicado a analizar la propagación estéreo, controlar el balance de panorama y analizar las frecuencias graves de forma aislada. Además incluye un medidor de correlación para identificar problemas de fase Dynamic Range – medidor dedicado del rango dinámico de la señal, para evitar compresión excesiva Bass Space – sección dedicada a identificar alguno de los canales está emitiendo frecuencias graves no deseadas, además de ofrecer varias opciones para limpiar la zona de graves y darle mejor espacio, para ello incluyendo cuatro medidores, de 40Hz, 80Hz, 120Hz y 160Hz respectivamente A simple vista parece una suite de medidores integrada en un solo lugar y simplificada al extremo. Sin embargo, sus creadores enfatizan en que el plugin es inteligente, en tanto puede avisar cuando considere que se está presentando algún tipo de problema en las secciones mencionadas, para ello utilizando un sistema de colores y retroalimentación visual. Levels está disponible desde su web oficial por €82.22. Funciona tanto en Windows como en Mac en formato VST, AU y AudioUnit, tanto a 32 como a 64 bits. Mastering the Mix.

Fuente: hispasonic.com

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LA ELECTRÓNICA AUMENTA TU PRODUCTIVIDAD

LA ELECTRÓNICA AUMENTA TU PRODUCTIVIDAD

“Los resultados de un estudio realizado por Mind Lab Internacional revela datos curiosos sobre el efecto positivo que provoca la música en sujetos mientras realizan tareas habituales en todo trabajo común.”

En ocasiones la única opción, o mejor dicho la mejor, cuando necesitamos concentrarnos dentro de un ambiente cargado de ruido y gente hablando, es la de crear una burbuja con la ayuda de nuestros auriculares.MAS QUE UNA ACADEMI222Pues bien, un estudio realizado por una empresa especializada en investigaciones neuropsicológicas, Mind Lab Internacional, ha revelado unos resultados que afirman que 9 de cada 10 trabajadores desempeñan mejor sus tareas cuando escuchan música (88% hacen un trabajo más preciso y un 81% más rápido). Los 26 sujetos participantes realizaron diferentes tareas de corrección ortográfica, resolución de ecuaciones, problemas de palabras matemáticas, entrada de datos y el razonamiento abstractodurante cinco días. Como dato importante destacar que la mayoría de ellos cometieron errores cuando no escuchaban nada en absoluto. Estos son los cuatro géneros musicales utilizados y sus posibles efectos sobre la productividad laboral.

¿QUÉ GÉNEROS MUSICALES SON MEJORES PARA QUÉ?

1) Música Electrónica
La mejor opción si el trabajo implica resolución de problemas abstractos y una mayor precisión en la corrección ortográfica.

2) Música Ambiental > La mejor opción para la resolución de ecuaciones

3) Música Clásica > La mejor opción para la exactitud general y en especial si necesitamos tener atención a los detalles

4) Música Pop > La mejor opción para trabajar con plazos

Cada uno tiene su género predilecto y sus artistas favoritos tanto para trabajar como para estudiar, por eso habría que añadir que depende mucho de las preferencias personales, pero en nuestra redacción la única manera de escribir líneas como estas es sumergiéndonos en la música por la que subsistimos.

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Nuendo 7

NUENDO 7

En el siguiente tutorial, Aldo Lamanna les mostrará por que Nuendo 7 es actualmente la mejor solución para audio, post-producción y videojuegos. Sobre todo su integración con Wwise y el panel de ADR, una herramienta excelente para remplazar diálogo

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Monitores de mastering

MONITORES DE MASTERING

1. Monitorización activa VS pasiva: Posiblemente, a no ser que estés pensando en montar un estudio de mastering profesional, te decantarás por unos monitores activos debido a su mayor comodidad de configuración y uso, un mejor aprovechamiento del espacio y generalmente, un precio más reducido en estos tiempos. Pero también deberías tener en cuenta otros factores y alternativas. Piensa que la adquisición de unos monitores pasivos amplía tu abanico de posibilidades y opciones a la hora de configurar tu propio sonido, ya que el amplificador aportará un “color” determinado. Esto también nos lleva a considerar que, en el caso de los modelos activos, es muy conveniente que conozcas todas las características del sistema bi-amplificado. Por regla general, asegúrate de que el valor de THD (Distorsión Armónica Total) no sea muy elevado.

2. Cuestiones de campo: cercano, medio y lejano -Para espacios reducidos de escucha se debería pensar directamente en los monitores de campo cercano. La situación ideal para escuchas comparativas sería un espacio amplio que ofreciese la posibilidad de contrastar los diversos campos, pero es evidente que poca gente tiene a su alcance esas posibilidades. Se da la circunstancia incluso de que algunos ingenieros de mastering que disponen de amplios espacios, al final se decantan por monitores de campo cercano, pues prefieren un sonido directo, incluso por muy preparada que tengan la acústica de la zona. Tiene su lógica práctica, ya que cuando el sonido interfiere con algún objeto (trampas, suelo, mesa, etc) se generan cambios de energía y, por consiguiente, el balance y la relación de frecuencias experimenta cambios importantes.

3. Como las vías del tren: dos… ¿o mejor tres? Atendiendo a la regla general, un entorno “casero” hace preferible la alternativa de un monitor de dos vías -pues se da por supuesto que los modelos de más probabilidad de uso anterior habrían sido de ese mismo tipo. En cuanto a las tres vías, alguien podría pensar que aportarán un sonido más dedicado en cada rango de frecuencias; pero eso no siempre es así, e incluso la integración de un crossover adicional (la circuitería interna de cruce que canaliza las frecuencias) también entraña ciertas dificultades en el caso de algunos fabricantes. Suele ser habitual que los monitores de tres vías alcancen frecuencias más graves que sus “hermanos” provistos con solo dos vías. Tienes también la alternativa de añadir unsubwoofer a un sistema de dos vías si el género musical que desees masterizar incluye contenidos vitales en el rango grave inferior, y por tanto necesitas una escucha fidedigna y sin distorsión de dichas frecuencias. En tal caso, la elección del modelo particular de subwoofer sería crítica, y se debería valorar que las características de éste se complementasen con las de los monitores. En estas situaciones, la mejor pauta es ajustarse a los modelos compatibles que ofrezca el mismo fabricante.

4. ¡El tamaño sí importa! Otro factor crítico que debes sopesar seriamente es el tamaño físico de tus próximos monitores dedicados al mastering. Un cono de ocho pulgadas, por ejemplo, no implica un mejor control de los graves -lo importante es saber cómo se comportarán unos monitores dados en tu propio entorno de escucha.Las ondas sonoras de frecuencias graves necesitan más espacio físico para un desarrollo completo, y por ello -además de otros factores- no conviene abusar de las medidas de tus monitores. Sin embargo, el trabajo de mastering requiere una escucha uniforme de toda la banda pasante audible con un mínimo de calidad, y así las cosas, un monitor de tamaño reducido quizá sea insuficiente. Los modelos conwoofers entre cinco y ocho pulgadas suelen ofrecer buenos resultados, contemplando incluso la posibilidad de añadir un subwoofer, como antes precisábamos.

5. Es el apartado final, pero recuerda siempre que podría ser el más determinante. Una vez que te hayas informado sobre las características de algunos monitores y te centres sobre un conjunto reducido de modelos, lo mejor sería que pudieses escucharlos en tu entorno para tomar una decisión final acertada -pero es evidente que, a no ser que cuentes con algún “enchufe” o contacto privilegiado, tus pruebas de audición y la decisión tendrán lugar en la tienda que visites.Entre tantas marcas y modelos que podrían funcionar correctamente en tu sala, lo mejor es convencerte con tus propios oídos y dejar a un lado las valoraciones y críticas que leas en foros y otros recursos informativos, siempre subjetivas en este ámbito de la monitorización. Más abajo te ofrecemos enlaces a algunos consejos prácticos que te vendrán bien en la elección de tus escuchas.Unos monitores adecuados para tu entorno de mastering optimizarán sobremanera la calidad de tus proyectos acabados. Pero si persigues un resultado de categoría profesional, el único recurso definitivo implica que contrates los oídos, decisiones y manos de un ingeniero de mastering: desempeña un oficio selecto y complejo, basado por completo en su experiencia de años. Fuente: futuremusic-es

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Micrófonos De Cinta.

MICRÓFONOS DE CINTA.

Los micrófonos de cinta fueron inventados en los años 20’s y por primera vez producidos comercialmente en 1931. Se llaman micrófonos de cinta porque una pequeña cinta de aluminio corrugada está ubicada en medio de dos imanes, convirtiendo las ondas sonoras en impulsos eléctricos. Los micrófonos de cinta revolucionaron en el mercado de la radio y la grabación por su sonido característico. En la actualidad AEA (Audio Engineering Associates) produce una versión moderna de los clásicos y descontinuados micrófonos de cinta de RCA (Radio Corporation of America). A continuación, un video que describe el desarrollo de un micrófono de cinta. El video inicia por el desarrollo de la placa del marco, seguido del proceso de ensamble de la rejilla y el armado de los dos imanes en el micrófono y de cómo se acopla con el marco. Luego, exponen el desarrollo de las cintas y cómo éstas deben ser cortadas y corrugadas para que la cinta responda a las variaciones de presión de una forma más precisa. Posteriormente, se ubica la cinta entre los dos imanes y un técnico verifica la tensión de la cinta y sintoniza la frecuencia de resonancia de la misma al modificar la tensión de la cinta sobre los dos imanes. Luego, agrega un el pop shield para proteger la cinta y finaliza el proceso de construcción al ensamblar el armazón, la base y el cableado del micrófono.

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EL SM58 Y EL BETA 58A

EL SM58 Y EL BETA 58A

Las redes sociales juegan un papel muy Ambos se parecen, y ambos llevan el mismo número. ¿Pero sonarán igual? Una de las preguntas más comunes que recibimos en Shure: “¿Cuáles son las diferencias entre el modelo SM58 y el modelo Beta 58A?” Para ser claros, no es cuestión que uno sea mejor o peor que el otro. Ambos micrófonos tienen sus características para brindar sonido y rendimiento impresionante. Entonces, ¿Cuáles son las diferencias? Veamos a continuación…

1. PATRÓN POLAR:

El patrón polar es la forma en que el micrófono capta el sonido al entorno de la cápsula. Aquí tenemos la diferencia más obvia entre los dos micrófonos. El SM58 tiene un patrón cardioide, lo que significa que capta audio en un ángulo más ancho y con más rechazo por detrás. Como vemos aquí:

Del otro lado, el Beta 58A tiene un patrón súpercardioide, lo que significa que el ángulo de captación de audio es más angosto desde la parte delantera de la cápsula. Este patrón polar puede rechazar más sonido de los lados, pero menos sonido desde atrás, como vemos aquí:

El patrón supercardioide tiene la ventaja de ser más direccional y menos susceptible al acople o retroalimentación cuando se usa con monitores colocados correctamente.

2. MATERIAL DEL IMÁN

El imán del Beta 58A está hecho de Neodímio, dándole mayor sensitividad y 4 dB más en ganancia de salida a comparación al SM58.

3. RESPUESTA EN FRECUENCIA

El Beta 58A puede captar frecuencias más bajas y más altas que el SM58. Aunque “más” siempre suena “mejor”, en este caso, esto puede abrir a la filtración de sonidos extráneos al micrófono. Por ejemplo, la letra “s” se oirá más, o sonidos bajos como instrumentos bajos se pueden filtrar más. Acople o retroalimentación de frecuencias agudas también se captan con más facilidad.

4. RUIDO DE MANEJO

El Beta 58A tiene menos ruido de manejo, ya que posee un sistema de prevención de shock más avanzado que el del SM58.

5. REJILLA

El Beta 58A tiene una rejilla más reforzada, haciéndolo más difícil de dañar.

CONCLUSIÓN

En conclusión, el Beta 58A es un paso adelante en muchas aplicaciones. Pero en algunos casos, esto puede ser algo negativo. Por ejemplo, si quieres usar un micrófono para tu banda de Heavy Metal y te gusta gritar, la sensitividad y detalle del Beta 58A no será la mejor opción. Todo se basa en tus gustos y la aplicación del micrófono – ¿Cuál prefieres?

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Tendencias de la industria musical en Colombia

TENDENCIAS DE LA INDUSTRIA MUSICAL EN COLOMBIA

La industria del directo en Colombia vive un buen momento, esas son algunas de las conclusiones extraídas a raíz del anuncio de los shows de Coldplay y los Rolling Stones en el país, así lo expone la revista Dinero. Dentro del enfoque de mirada al sector se afirma que el país se ha convertido en un destino obligado para los artistas internacionales que visitan la región.

Como apoyo existen datos extraídos por el Observatorio de Cultura y Economía donde en el “Tendencias de la Industria musical en Colombia” impulsado por “Bogotá ciudad de la Música” donde queda plasmado el incremento que obtuvieron por venta de servicios de producción y presentación de espectáculos en vivo entre 2005 y 2010, al pasar de $432.000 millones de pesos a $555.000 millones de pesos (€168 millones), incremento del 28% en todo lo que abarca el sector.

Las fechas reseñadas apuntan también la brecha que se posee en países en desarrollo, donde aún se toman como únicas fuentes datos con cifras de entre 5 y 10 años de antigüedad para un reporte presentado en el presente año. De momento, todo apunta a que la presente brecha entre la música grabada y el directo siga ampliándose en cuanto sean actualizadas las cifras.

Si bien el rubro de servicios de producción y presentación de espectáculos en vivo incluye también presentaciones de artes escénicas, el grupo técnico del Ministerio de Cultura y el DANE precisó que cerca de un 80% de los ingresos de este rubro corresponde a presentaciones musicales, por lo que podríamos hablar de 134.4 millones de euros.

Por su parte, el sector del directo señala a la infraestructura como la gran barrera para esta industria, ya que los lugares autorizados para ese fin deben ser adaptados a las necesidades técnicas del espectáculo – lo cual supone costos adicionales para el organizador- y por lo tanto no cumplen con las expectativas. Aunque se resalta la calidad técnica que se ha desarrollado en el país, donde las bandas internacionales ya confían en la producción de los espectáculos.

También algunos de los principales representantes del sector, como el director de mercadeo de T310 y Absent Papa, Gabriel García, señalan que “el riesgo económico aún es muy alto”. El número de asistentes sigue siendo bajo si se compara con países de América Latina que tienen más tradición en la realización de este tipo de espectáculos. Mientras que un evento como el Estéreo Picnic convoca en sus tres días a 50.000 personas en promedio, mientras que un festival de las mismas características en Brasil, Argentina, Chile o México reúne hasta 180.000 espectadores.

Sin embargo y más allá de las dificultades que aún existen, en líneas generales estas cifras positivas del mundo del directo contrastan, como a nivel mundial, con las ventas de “discos, cintas y otros materiales grabados”, que se redujeron en un 19% en el mismo período analizado ($100.000 millones a $81.000 millones de pesos), añade el informe sobre “las tendencias de la industria musical en Colombia”.

Consecuente con la reconfiguración del modelo de negocios de la música y su tendencia a que el principal generador de ingresos sean los espectáculos en vivo, para 2011 el recaudo por espectáculos públicos representó el 33% del total del recaudo por derechos de autor (realizado por SAYCO).

El recaudo por radio y televisión, para este mismo año, fue del 30%, puntualmente el recaudo a emisoras (15.3%) y el de televisión cerrada (televisión por cable), representando el 8.7% del recaudo total. Por su parte, el recaudo de derechos de autor captado a través de los establecimientos públicos (establecimientos comerciales) como discotecas, tabernas, bares, billares, cafés, almacenes, entre otros, representa un foco relevante para los derechos de autor, ya que estos significan el 28% del recaudo total de SAYCO.

El recaudo por derechos de autor distribuido en artistas nacionales 2005-2011 presentó un crecimiento del 83%, tomando en 2005 como referencia un total de $40.735 millones de pesos (€12.3 millones en moneda actual), pasando en 2011 a$74.527 millones pesos (€22.6 millones en moneda actual). Este incremento se ha dado, en primer lugar, por el aumento en el recaudo en establecimientos públicos, seguido por el realizado en espectáculos en vivo (ejecución en vivo), posteriormente, por la televisión cerrada y, finalmente, por las emisoras de radio

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