¿Nuevo reproductor multimedia Dj DENON?

¿NUEVO REPRODUCTOR MULTIMEDIA DJ DENON?

Denon lanzó un teaser de lo que parece ser un nuevo reproductor multmedia a lanzarse en 2017, quizás en en Namm 2017 o antes. El vídeo no deja ver mucho a simple vista, pero se trataría de un CD player. Ademas en el titulo del vídeo hace uso de una etiqueta #ChangeYourRider, la cual pueden usar para seguir el rastro de esta misteriosa campaña.

Nuestro ojo de Thundera nos confirma que se trataría de un reproductor, básicamente por no se presenta un área de mixer, salidas, audífono, micrófonos, etc. Cerca del segundo 20 vemos una pantalla que presenta dos formas de onda, una de ellas con el global (en la parte baja) y la otra en zoom. Esto es usual en los CDJs de Pioneer, pero nuevo en Denon ya que su ultimo reproductor, el SC2900 solo contaba con una pequeña pantalla monocromática.

¿VIDEO EN EL JOG?

Algo inusual que vemos, dentro de lo que parece ser el Jog y justo en el centro, es una imagen de vídeo de una corrida de toros. Al parecer este controlador integraría una pantalla de vídeo al medio, ¿Se tratara de un controlador enfocado a la reproducción de vídeo? Seguramente tendrá integración con Engine y quizás sea tenga soporte HID para Serato DJ. Denon desde su regreso lento y moderado, desde la MC6000mk2, ha sabido renovar toda su linea y estamos seguros que así sera con este nuevo producto. Ahora, el uso del etiqueta #changeyourrider nos dice mucho de las expectativas de Denon, básicamente nos dice que cambiemos nuestro rider… lo que se puede interpretar como; deja los CDJs que viene Denon. Bueno, solo que nos queda esperar el 2017 y lanzar todos nuestros pronósticos en nuestras redes.

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CÓMO FUNCIONAN LOS MEJORES SELLOS DEL MUNDO?

CÓMO FUNCIONAN LOS MEJORES SELLOS DEL MUNDO?

SELLO 1: INNERVISIONS

En esta primera pieza podrás ver a los chicos de Âme —Kristian Beyer + Frank Wiedemann— y a Dixon enseñándote su organización interna en todo lo relativo al management de este label y a la selección artística de Innervisions. También podrás ver la tienda de vinilos que tienen del sello, en la que te puedes cruzar con cualquiera de ellos muchos días, lo que hacen en su día libre (el jueves) y darte cuenta de que la cabeza pensante de Innervisions como negocio es claramente Frank Wiedemann, y aunque Kristian y Dixon sean los que captan el hype del momento musical como ya hicieron con su brillante Essential Mix de abril de este año, la otra mitad de Âme es también la que más lo materializa en forma de producción. Tres genios, cada uno en su papel, que consiguen un resultado selecto en todo lo que tocan.

SELLO 2: MOBILEE

El colectivo/sello de Mobilee, encabezado por Anja Shneider, es otro de los sellos más importantes de la música underground. En el documental podrás ver cómo explican su filosofía —la de no encasillarse en un sonido concreto como han hecho otros sellos, sino que admite muchas direcciones y diversos estilos— y el increíble roster de artistas con el que cuentan. También podrás ver sus oficinas y cómo montan todo el percal.

SELLO 3: KOMPAKT

Las personas al cargo de Kompakt saben que tiene un sonido bien diferenciado a lo largo de los años y que es algo grande. Así nos lo explica la crew de Michael Mayer y Wolfgang Voigt, en este vídeo en el que repasan su inmensa trayectoria, de más de 20 años, y en el que declaran que todo empezó por que decidieron que querían vivir por y para el techno, y para eso tenían que crear una empresa seria.

SELLO 4: EXPLOITED

Además de ser el colectivo en el que están integrados los talentosos artistas nacionales Kyodai, sus impulsores XXXXX te explican cómo preparan los showcases del sello, con predilección por los directos, el roster de artistas y los lanzamientos del label, que muchas veces son con carácter gratuito.

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Réplica del casco de Daft Punk que funciona con MIDI

RÉPLICA DEL CASCO DE DAFT PUNK QUE FUNCIONA CON MIDI

No es la primera imitación que vemos del icónico casco de Daft Punk —es una popular careta de Halloween y Carnaval—, pero esta es especial. LoveProps, una pareja de inventores formada por un ingeniero industrial y un fanático de este tipo de artilugios teatrales, ha desarrollado un modelo repleto de detalles, que lleva unos días propagándose por las redes sociales.

Aquí vamos a centrarnos en su implementación MIDI, que no ha sido tan difundida. Pero antes de nada, echadle un buen vistazo:

El casco puede recibir MIDI desde diversas fuentes: archivos MIDI desde una tarjeta SD, MIDI inalámbrico desde WiFI, y MIDI por cable convencional. Dispone de salida y entrada USB MIDI, y puede ejecutar secuencias a tiempo real, a la vez que interactúa con las aplicaciones que ejecutamos desde un ordenador, smartphone o tablet, ya sea a través del cable o con el módulo RF WiFi incorporado.

El módulo WiFi (ESP8266) tiene su propio procesador y código para las comunicaciones TCP/IP, dejando la placa Teensy liberada para procesar el código principal que controla las funciones del casco.

La herramienta SigmaFW que le acompaña permite crear configuraciones de LEDs de forma sencilla y sin conocimientos de programación, de una forma expresiva y artística. Utilizando una librería MIDI diseñada para la ocasión, el usuario puede conectarse por USB al ordenador y crear nuevas animaciones LED desde cualquier software de producción o DAW. Tenemos control del color, brillo, saturación y timing sin necesidad de programar. También puede auto generar animaciones a tiempo real basándose en parámetros personalizables.

La versión 1.0 del sistema de este fenomenal casco incluye un algoritmo de detección de beats que determina el tempo o BPM de la música captada a través del micro o línea, y modifica la animación MIDI que estamos reproduciendo, para encajarla al tempo y ritmo de lo que suena. Además, el BPM de la animación MIDI puede fijarse con nuestro movimiento —siguiendo el ritmo de la cabeza del mismo modo que lo haríamos con un botón Tap Tempo—.

Por último, un display interno de 2″ permite controlar el sistema y navegar a través de las opciones con un potenciómetro, pero también podemos hacerlo con un smartphone o PC vía WiFi.

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Maschine Jam, nuevo controlador para producción

MASCHINE JAM, NUEVO CONTROLADOR PARA PRODUCCIÓN

Native Instruments añade un nuevo miembro a la familia Maschine: Jam es una superficie de control pensada para esbozar pistas de forma fluida e intuitiva, en secuencias por pasos. Por su aspecto parece un competidor de Push, aunque no cuenta con displays y añade unas bandas táctiles que le dan una orientación diferente.

Jam cuenta con una matriz de 8×8 botones multicolor (los mismos que Push) para elaborar patrones y escenas. En el modo Step, esta matriz se convierte en un secuenciador por pasos multipista, donde podemos hacer sonar uno, cuatro u ocho sonidos a la vez. En modo Pad podemos introducir los sonidos a tiempo real, mientras que el modo Piano Roll nos permite trabajar con melodías y escalas.

Activando el motor Variation Engine, se generan beats y melodías aleatoriamente, basadas en valores personalizables que podemos modificar en la matriz. Cuenta también con un “humanizador” que introduce fluctuaciones rítmicas naturales a las secuencias programadas.

En la parte inferior de Maschine Jam, justo debajo de la matriz, encontramos ocho Smart Strips. Podemos manejar cada una de estas bandas con dos dedos a la vez, y dan acceso a un amplio repertorio de características, aunque a la vista parezcan simples faders táctiles. Por ejemplo, con Perform FX podemos mapearles un efecto, o alterar la dinámica a tiempo real, manipular macros, parámetros de instrumentos, o tocar melodías gracias a la función Notes. Todas incluyen medidores LED multicolor para monitorizar el nivel de la función asignada, y una función Lock nos permite guardar instantáneas de parámetros para luego recuperarlos o hacer morphing entre ellas.

Maschine Jam, al igual que sus hermanas, viene cargada de sonidos de fábrica. Incluye el software Maschine 2 y el paquete de efectos e instrumentos Komplete 11 Select, con los sintes Massive y Monark completos. Hablamos por tanto de 25 GB de sonidos, a los que hay que sumar los 9 GB de Maschine 2.5 y los módulos Drum Synth. Además, soporta NKS, de modo que podemos cargar plugins de terceros desde la propia aplicación de Maschine. Y como promoción de lanzamiento, los que registren una Maschine Jam antes del 31 de diciembre obtendrán dos expansiones Maschine gratuitas a elegir entre un total de 20 (sólo en la NI Online Shop).

También podemos usar Maschine Jam en modo MIDI para controlar otros DAW, y no por casualidad se incluye una plantilla preconfigurada para Ableton Live.

La gama Maschine queda así compuesta por cuatro modelos: Maschine Mikro, Maschine, Maschine Studio y la nueva Maschine Jam. Aquí tienes una tabla comparativa para apreciar las diferencias. Maschine Jam estará disponible a partir del 29 de septiembre de 2016 por 399 euros.

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Korg Volca Kick, MicroKorg S y módulo ARP Odyssey.

KORG VOLCA KICK, MICROKORG S Y MÓDULO ARP ODYSSEY.

Es el que aparenta ser más novedoso del trío. Y digo aparenta porque en sus tripas vemos reciclados y adaptados a las necesidades específicas de un generador de bombo analógico,elementos prestados desde el MS-20.

Es la autooscilación del filtro tipo MS-20 y no ningún oscilador quien actúa aquí de fuente para generar la base del sonido bombo electrónico con presencia grave y carácter agresivo. Cuenta también con un generador de pulso para añadir el golpe inicial. La más que evidente no linealidad del filtro del MS-20 se aprovecha para obtener un bombo con armónicos que en otros filtros más dulces no estarían presentes.

Adicionalmente controles ‘drive’ y ‘tone’ permiten respectivamente añadir distorsión y EQ en agudos.

Además de para bombo puede usarse para líneas de bajo, toms y otros efectos y sonidos, pero siempre bajo la premisa de esa peculiar estructura sin osciladores.

Es posible crear patrones con el secuenciador, en principio de 16 pasos pero expandible mediante el enlazado de patrones para llegar incluso a 256 combinando 16 secuencias. Los patrones además de los ataques de bombo o notas de bajo pueden incorporar la actuación sobre los controles gracias a ‘motion sequence’, facilitando que cada golpe/nota tenga un timbre específico. Existen opciones de acento y slide entre pasos, y la convencional envolvente ‘decayente’ de la afinación puede invertirse sobre cualquiera de los pasos para un bombo de cola ascendente en tono en lugar de descendente.

Los efectos de animación de las secuencias tales como cortes, breaks, rellenos, redobles, cambios de octava, etc. pueden lanzarse en tiempo real usando las teclas táctiles.

SINTE/VOCODER MICROKORG S CON ALTAVOCES

La renovación de un clásico incorpora 64 presets nuevos para actualizar su paleta de sonidos, 64 memorias de usuario más, y sobre todo, por lo sorprendente, altavoces. Es llamativa la incorporación de altavoces sin modificar el aspecto y tamaño exterior y que lo haga con un juego 2+1. Una magia que queda al descubierto en esta imagen:

Se trata de 2 altavoces de 2.5cm atacados por un ampli de 0.5W y otro de 4 cm en un recinto bass réflex con ampli de 3W.

Por lo demás el resto de las especificaciones, las presentes en sus antecesores:

Polifonía de 4 voces en la parte de sintetizador, con dos sonidos simultáneos (split/dual), basados en arquitectura con 2 osc + ruido + filtro multimodo + 2 envolventes + 2 LFOs + 4 rutas de modulación

Vocoder con polifonía de 4 voces con un oscilador y un generador de ruido más una envolvente y un LFO, que actúan como fuente ante un vocoder de 8 bandas y por tanto de sabor ‘robótico’, con panorama de cada una ajustable, y posibilidades de ‘formant shift’.

Efectos de EQ, delay con varios tipos, y un efecto de modulación seleccionable flanger/chorus, phaser, o 3 variantes de ensemble.

Arpegiador

Entradas audio externo tanto micrófono (condesadoro o dinámico) como línea estéreo, y micrófono de condensador tipo cuello de cisne incluido.

MIDI in, out, thru en DIN

Funcionamiento desde red con el alimentador incluido o mediante pilas.

Del ARP Odyssey reeditado por Korg ya hemos hablado en otras ocasiones. La noticia ahora (anticipada hace tres días) es su aparición en formato módulo de escritorio, capaz de desterrar las objeciones de quienes no gustaban de la elección de teclas mini por parte de Korg. De las tres versiones / colores en que se editó en teclado para mejor imitar las sucesivas generaciones producidas por ARP, pasamos ahora a dos, correspondientes al blanco de la V1 y el negro con rótulos naranja de la V3. Pero en cuanto a sonido, todas ellas, teclados y módulos, cuentan con el selector de tipo de filtro que permite contar con las tres respuestas.

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Richie Hawtin habla de tensión analógica.

RICHIE HAWTIN HABLA DE TENSIÓN ANALÓGICA.

Richie Hawtin el fabuloso creador musical anglo-canadiense de minimal techno, DJ y productor, ha compartido con todos nosotros una técnica impresionante que emplea para calentar a su audiencia.

“No todos tus sonidos tienen que sonar nítidos y digitales -siempre conviene que haya una especie de ‘tensión’. Yo suelo aplicar un compresor analógico a válvulas desde la mesa Front Of House del bolo con el fin de animar el cotarro”. Pero no tiene por qué ser una receta de aplicación global… “Unas veces será sobre el bajo, y otras sobre las cuerdas o los sonidos de tipo TB-303“, continúa Hawtin. Cuando los asistentes a un festival llevan 18 horas de música en el cuerpo, ¡Richie Hawtin tiene que darles un bofetón en toda la cara para despertarlos!”.

Parece un curioso método en el que, por descontado, la mesura marcará la diferencia entre el éxito o el bochorno total -después de todo, no querrás que tu gente “se caliente” demasiado.

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El constante paso de la música Electrónica.

EL CONSTANTE PASO DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA

Ambas infografías nos dan una clase magistral acerca del origen y la evolución que esta llevando la música electrónica desde principios del siglo pasado, acompañado del ejecutor del oficio, el discjockey. En ellas también se puede apreciar la necesidad de “acelerar” y hacer más compleja tanto la música electrónica como la técnica del DJ para ajustarse a la demanda del público según el momento.

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Hablando de RemixLive

HABLANDO DE REMIXLIVE

Mixvibes ha liberado Remixlive para Mac, la aplicación toma la experiencia simplificada de la versión en iOS y la lanza a nuevos horizontes mediante la creación de nuevas capacidades adicionales, tales como un grid modular, el control MIDI, 12 efectos exclusivos y mucho más. Remixlive para Mac ha sido creado para ser una puerta de entrada a aplicaciones de audio más complejas. Manteniendo la misma interfaz intuitiva y elegante como la versión de iOS, es la herramienta perfecta para shows en vivo y es perfecta para usarla con cualquier controlador MIDI. Su potente algoritmo de time-stretching hace sea una aplicación perfecta para looping.

Características Principales Remixlive para Mac:

● Grid modular de pads que se adapta a cualquier configuración o controlador MIDI.
● 6 packs de loops gratis (3 de ellos cargados directamente en la aplicación), con 13 más disponibles como compras dentro de la propia app.
● Ajusta el sonido de forma instantánea con los FX y el beat repeat de los pads.
● Control de BPM en vivo: cambia el ritmo de la música sobre la marcha sin detenerla.
● Modo múltiple: reproduce varios pads por columna al mismo tiempo.
● Edit Play mode, Quantize, Gain, ADSR, Pan, Loop Division, Reverse y Transpose.
● Importa tus propias samplers.
● Posibilidad de grabar cualquier sonido o voz a través del micrófono.

Características exclusivas de Remixlive en Mac:

● Grid modular: personaliza el tamaño del grid a tu gusta hasta un máximo de 10 columnas y 10 filas.
● Nuevos efectos: Infinite Delay, Low Phaser, Flangus, Jet-Up, Metalizer, Basic Slicer, Fast Gate, Crush, Bliss, Big Bright Hall, Freezer y Reactor.
● Ecualizadores de alta calidad al estilo DJM
● Comparte tus grabaciones directamente en SoundCloud o YouTube.
● Versión AU/VST que se puede integrar en cualquier aplicación de audio de tu elección, incluyendo Ableton Live, Cubase, GarageBand y muchos más.
● Tamaño totalmente escalable a la interfaz de los Mac Retina.

Control Midi:

● Soporte para cualquier controlador MIDI a través de MIDI learn. Los usuarios pueden asignar cualquier comando en la aplicación a su controlador usando una interfaz dedicada muy fácil de usar.
● También es posible controlar la aplicación a través del teclado de tu Mac.

Formatos soportados:

● Importa tus propias samples desde el Finder en una variedad de formatos: WAV, AIFF, MP3, M4A, AAC, FLAC, Ogg, MP4 y WMA.
● Mayor calidad de opciones de grabación de pista: WAV, AIFF, FLAC u Ogg.

Precio y disponibilidad:

Remixlive para Mac está disponible en la Mac App Store a un precio especial de lanzamiento de $ 29,99 (en vez de los $ 69.99 habituales).

Fuente:tecnologiadj.com/.

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7 tips para una optima mezcla en estudio

7 TIPS PARA UNA OPTIMA MEZCLA EN ESTUDIO

La acción de mezclar música es un arte y una ciencia y, por ello, requiere de grandes dosis de trabajo y talento. Dicho esfuerzo, tanto físico (pocas horas de sueño, comida rápida, sedentarismo, etc) como mental (desgaste intelectual, falta de enfoque, preocupaciones, etc), puede llegar a consumirte mucha energía.

Todo esto perjudica no sólo nuestra salud, sino también nuestro trabajo, llegando a veces a hacernos perder objetividad y frescura tras largas horas de dedicación. Lo que, generalmente, redunda en una peor productividad y en resultados de menor calidad. Además de esto, cuando por fin llegas al punto en el que debes redondear el trabajo y definir los detalles, normalmente coincide con el momento en que ya has perdido toda perspectiva y eres incapaz de detectar las sutilezas, las pequeñas diferencias que existen en la mezcla. ¿Y qué puede ocurrir en esta situación? Pues, lo más probable es que tomes algunas decisiones difíciles en la dirección equivocaday, potencialmente, estropees el trabajo que tanto esfuerzo te ha costado.

Mezclar música implica enfrentarse a esta adversidades pero, afortunadamente, hay algunas maneras de solventar estas complicadas situaciones. Antes de nada, hay que tener claro que es muy importante mantener la perspectiva, ser metódicos en nuestro trabajo, saber cuándo debemos parar, cuándo hay que tomar distancia y cuándo y dónde debemos retomar la mezcla de audio. Siguiendo algunas de estas pautas, tienes muchas posibilidades, al final, de que tu trabajo suene bien, coherente y profesional, sin dejarte tu salud física y mental en el camino.

¿CUÁLES SON ESAS PAUTAS PARA MANTENER LA PERSPECTIVA AL MEZCLAR MÚSICA?

Aquí te ofrecemos no menos de siete consejos para ayudarte a mantener las cosas en su sano juicio mientras te dedicas a mezclar música…

1 Tus principales herramientas, a la hora de mezclar música, son tus oídos. Si por un uso excesivo o por otros factores de los que hemos mencionado antes, tus oídos están fatigados, debes parar. Esa es la primera norma y tal vez la más importante de todas. Tómate el tiempo necesario para que tus oídos estén descansados. Asegúrate de tomar descansos frecuentes, por ejemplo, un descanso de diez minutos cada hora o también puedes seguir la regla 90/20, esto quiere decir, parar 20 minutos cada 90 minutos.

A veces es tan importante pasar un tiempo sin escuchar la mezcla como escuchándola. De esta manera, tus oídos se actualizarán cuando retomes tu trabajo…"

2 Mezclar música es como desenvolverte entre una serie de acertijos de lógica. Por este motivo, el enfoque debe ser metódico. En muchos casos, una determinada acción afectará a algo más en la mezcla. Es importante, por tanto, prestar una cuidadosa atención a los cambios sutiles para comprender cómo influyen en las otras pistas. Intenta moverte entre la mezcla objetiva y la mezcla subjetiva, esto te ayudará a resolver de una forma exitosa este rompecabezas en el que muchas veces se convierte una mezcla de audio.

3 La función ‘Solo’ es una herramienta peligrosa. Si bien, en muchas ocasiones, esta función resulta esencial para aislar una pista con el fin de pulirla al margen del resto, al escuchar una señal aislada pierdes la referencia de cómo interactúa con el resto de la mezcla. Está bien para un instrumento solista cuando deseas comprobar si hay algún problema en el rendimiento o en la forma en la que se ha procesado una señal de audio, pero debes intentar salir rápidamente de esta situación y trabajar con la señal en el contexto de la mezcla completa.

Una opción mas adecuada es destacar, subiendo el nivel, la pista sobre la que quieres trabajar o sobre la que necesitas saber si hay algún problema. De esta manera, aunque no tienes una referencia perfecta del contexto, tendrás una base de comparación más adecuada para analizar la pista de audio.

4 Mezcla tu trabajo con diferentes altavoces y en diferentes ambientes acústicos, en particular en los entornos donde normalmente escuchas música. Si tienes alguna duda sobre cómo puede estar sonando un determinado instrumento en la mezcla, tendrás una información más clara si conoces tus altavoces.

Es muy recomendable escuchar la mezcla de audio en el mayor número posible de entornos. Todas esas situaciones de escucha del mundo real están bastante alejadas de una sala acústicamente tratada. También existen en el mercado herramientas que te pueden ser muy útiles para esta tarea como, por ejemplo, Audified MixChecker: unplugin capaz de convertir tus monitores de estudio en una multitud de dispositivos de escucha totalmente diferentes.

5 Ten a mano un conjunto de canciones con las que estés familiarizado, para que te sirvan de referencia a la hora de mezclar música. Crea una lista de reproducción con canciones que conozcas perfectamente, de esta manera tendrás una base segura sobre la que apoyarte para comparar tus mezclas. Si el cliente participa de esta etapa de la producción, puedes pedirle que te sugiera también sus referencias musicales.

6 Recuerda lo que hemos mencionado antes: tu herramienta principal son tus oídos. En muchas ocasiones, tendemos a mezclar con la vista y no con el oído. Entonces, una buena recomendación es que, en diferentes puntos de la mezcla,apagues la pantalla del ordenador y sólo escuches la música. Te sorprenderás de lo que puedes escuchar cuando no estás mirando la pantalla.

7 Cuando termines la mezcla de audio, déjala a un lado y vuelve a escucharla de nuevo al día siguiente. Este descanso físico y psicológico te ofrecerá una perspectiva mucho más fresca antes de enviar la mezcla al cliente final.

Si sigues estos consejos durante el proceso, mezclar música te resultará un trabajo agradecido, motivador e ilusionante. Aprenderás y crecerás a través de la experiencia, te sentirás seguro con tu trabajo y, sin duda, disfrutarás mucho más de tu profesión.

Fuente: futuremusic-es.com.

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La última fábrica de cassettes del mundo

LA ÚLTIMA FÁBRICA DE CASSETTES DEL MUNDO

Su esposa le llama «el neandertal». A veces lo regaña porque se resiste a cambiar su móvil de tapita por un modelo más moderno. Pero esas cosas no sacan aSteve Steep de su aura de tranquilidad. Este hombre -que se califica a sí mismo con una sola palabra: terco- es el responsable de que la fabricación de casetes sea, en el reino del streaming, un negocio rentable.

El 2014 fue un año de éxitos. Por primera vez, las ventas mundiales de música en formato digital superaron al soporte físico. Y, por primera vez, la National Audio Company, la última gran fábrica de casetes, distribuyó más de 10 millones de cintas. La cifra más alta en sus 45 años de existencia. Un año después, superó la hazaña vendiendo un 20% más. A simple vista, algo no cuadra.

Steve Stepp atiende la llamada desde su oficina en Springfield, Missouri (EEUU), primero ríe y luego responde: «Los casetes nunca dejaron de usarse». Él iba a la universidad cuando su padre fundó la compañía en 1969 y era apenas una pequeña proveedora de cintas analógicas. A finales de los años 90, cuando los grandes fabricantes se volcaron al CD, su empresa no hizo lo que se supone es lógico en un negocio: innovar. No. Se quedó produciendo casetes.

Esa década, las marcas que se repartían el mercado de cintas, TDK y Phillips (que lanzó la primera en 1963), redujeron su producción en más del 70%. Es cierto que, como dice Stepp, las cintas se seguían usando, pero muy poco. Él fue capaz de mantener ese nicho de negocio, pequeño, pero rentable. Pocos años más tarde, el CD entró en crisis con la llegada de los soportes digitales y cuando las grandes fábricas vieron cerca el fracaso, su empresa se gastó un par de millones de dólares en comprar los equipos de la competencia para seguir haciendo lo de siempre: más casetes.

Además de su terquedad, detrás de su éxito está la nostalgia, piensa Stepp. Tras años de estancamiento, eso a lo que llamamos vintage dio resultados, como demuestran los números: en el 2015 facturó cinco millones de dólares por la venta de casetes grabados y vírgenes; de los cuales el 70% proviene de acuerdos con bandas independientes, sellos y compañías, como Universal y Sony.

Sus grandes éxitos han sido iniciativas puntuales. La banda sonora deGuardianes de la Galaxia (2014) vendió 15.000 copias. Este casete reúne las canciones de los 70 que el protagonista Star Lord escucha, de forma obsesiva, en su anticuado walkman. Y hace un año salió la reedicción de la mítica maqueta deMetallicaNo Life ‘Til Leather (1982).

Eso es sólo el principio, augura Stepp. Sin rivales a la vista -sus competidores apenas fabrican unos miles de unidades al año- y cada vez con más clientes en América, Europa y Asia, la compañía sólo tiene una preocupación: lidiar con su propia obsolescencia. Las máquinas con las que trabajan son únicas. Sus fabricantes desaparecieron hace años y los empleados de la NAC han aprendido a repararlas. «Es difícil encontrar a alguien que entienda cómo funciona un duplicador magnético», explica el jefe técnico de la compañía, Robert Coverston.

Pero no hay presión, dice Stepp. Y vuelve a reír. Escucharlo es como ir a una charla de motivación para emprendedores. Es contundente. No escucha música en MP3 porque «el sonido está comprimido y la frecuencia es baja». Y es mejor no intentar convencerlo. A terco no le gana nadie.

Fuente: elmundo.es

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