PRESI ON & FERNANDA CRUZ, ALUMNOS DESTACADOS

PRESI ON & FERNANDA CRUZ, ALUMNOS DESTACADOS

Cristian Garcia aka Presi On , Talentoso productor de música electrónica decide afianzar sus estudios en la prestigiosa academia de DNA Music y es ahí donde conoce a Fernanda Cruz, quien desde años atrás es cantante pop junto a su hermana en un duo llamado “Cruces”, y decide también estudiar producción. Presi al momento de escuchar su voz, queda fascinado y Fernanda a su vez con las producciones de Presi; es cuando deciden unirse con el deseo de crear una nueva propuesta enérgica, muy movida y con mucho sentimiento; con muchos proyectos en mente, entre ellos un proyecto que participara en el concurso para elegir el DNA Anthem, ellos esperan llegar muy lejos, con el apoyo de DNA music y su talento, estamos seguros que lo van a lograr. Sigan más de cerca su Musica y espero que puedan apoyar estas dos promesas musicales.

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POR QUÉ LA MÚSICA ELECTRÓNICA ES LA MEJOR DEL MUNDO

POR QUÉ LA MÚSICA ELECTRÓNICA ES LA MEJOR DEL MUNDO 1

LA HISTORIA DE MOSKA MUESTRA POR QUÉ LA MÚSICA ELECTRÓNICA ES LA MEJOR DEL MUNDO

Todos tenemos una misión en esta vida y la de Moska es transformar la de otros con la música. En su destino siempre ha estado ser uno de los productores más importantes de la escena y es por eso que desde los 14 años quedó enamorado de la electrónica y se ha dedicado a transformar esa pasión en arte para bailar. Desde sus inicios, este chico de Cali nos ha demostrado por qué la electrónica es la música que une al mundo, la que nos hace creer hasta en lo imposible y que todo se puede lograr. Sus primeras producciones fueron hechas en una computadora que no tenía ni 1GB de memoria. Y aún cuando no tenía muchos recursos para hacer su música, rápidamente captó la atención de productores tan importantes como Tiësto y Laidback Luke, quien lo ha colocado como una de las promesas a seguir más importantes del mundo.

No sabemos si es por lo cálido de su música o su increíble personalidad, pero una vez que la escena le abrió los brazos, nunca lo dejó ir. Lo que empezó como un par de noches con algunos ídolos, se transformó en un estilo de vida. Ahora Moska recorre el mundo de la mano de algunos de los productores más importantes del mundo y con las puertas abiertas a espacios tan importantes como el programa de Diplo en la BBC Radio 1 y editar material en sellos comoMusical Freedom de Tiësto.

Estamos seguros que en Cali, este muchacho jamás hubiera imaginado que un día viviría de viaje por el mundo con la elite de su pasión más grande. La próxima vez que alguien te diga que no puedes lograr algo, cuéntales la historia de Daniel Amezquita, mejor conocido como Moska.

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DNA MUSIC & DAVE SEAMAN

DNA MUSIC & DAVE SEAMAN

Mas de 20 de años de carrera artística , un icono de la música electrónica mundial , colaboraciones con artistas mundiales , mas de 20 compilaciones , hablar de DAVE SEAMAN serian hojas y hojas de eventos y de música por lo cual les dejo un breve resumen de su biografía :

PRODUCTIONS

Kylie Minogue ‘Kylie Minogue’ (album) – Kylie Minogue ‘Impossible Princess’ (album) – Kylie Minogue ‘Confide in Me’ (Produced/Written) – Kylie Minogue ‘Did it again’ (Produced/Written) – Kylie Minogue ‘Where Is The Feeling’ – Take That ‘Nobody else’ (album) – Take That ‘Never Forget’ – Take That ‘Sure’ – Secret Life ‘Love So Strong’ – Secret Life ‘Borrowed Time’ -Secret Life ‘Lullaby’ – Judy Cheeks ‘Reach’ – Pet Shop Boys ‘Was it Worth It’ – Pet Shop Boys ‘DJ Culture’ – Pet Shop Boys ‘Go West’

ORIGINAL PRODUCTIONS

Brothers in Rhythm ‘Such a Good Feeling’ – Brothers in Rhythm ‘Peace and Harmony’ – Brothers in Rhythm ‘Forever and a Day Brothers Love Dubs ‘The Mighty Ming’ – Brothers Love Dubs ‘Mings Incredible Disco Machine’ -Brothers Love Dubs ‘Lizard’

Brothers Love Dubs ‘1-800-MING’ – Gloat ‘Skidaddle’ – Gloat ‘Wuarp’ – Gloat ‘Diddley Squat’ – Creative Thieves ‘Nasty Rhythm’

LINE UP Confirmado es :

DAVE SEAMAN

Bulbmakers

Swagman Residents ( Andres Leal, Luis Molina & Soul motion)

Ruben Rojano y Albert Aponte

Fexglan

Nahtan Ateluz (Warm Up Oficial) Ganador DJ Contest

El lugar es : Pisco & Marisco (Cr 52 con 74 ) – Barranquilla – Colombia

Inicio : 10 PM – 5AM

Lugar : Carrera 52 # 74 – 16 (PISCO & MARISCO)

Detalles de la Producción :

* Ideal para el Nivel del Artista.
* 40.000 vatios de sonido line array
*Parqueadero
* Vigilancia Privada

Apoyan :
PUMPIN MUSIC PRODUCTIONS
MAB ENTERTAINMENT GROUP
BECOOL PRODUCCIONES
EL FIESTON

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Mastering para diferentes géneros musicales!

MASTERING PARA DIFERENTES GÉNEROS MUSICALES!

LA MASTERIZACIÓN ES UN ARTE CONTEXTUAL, Y NO ENTIENDE DE FÓRMULAS MÁGICAS E INTERCAMBIABLES…

Mientras que las limitaciones físicos de los antiguos medios de reproducción ya no son la primera razón para el mastering de audio, la forma de pensar de un ingeniero de mastering sigue siendo la misma: añadir los toques finales a una grabación para que funcione bien en nuestro mundo, encontrando un balance entre margen dinámico, contenido en frecuencia e imagen estéreo.

Las labores de un ingeniero de mastering aseguran que una grabación sonará bien en una amplia variedad de sistemas de reproducción, soportando la codificación de un formato con pérdidas (MP3 o similares), y encajando en el contexto de un álbum.

“Podría ser de gran ayuda que el artista provea un tema de referencia con un mastering objetivo, pues su ejemplo apuntará hacia la finalidad perseguida…” Pero es muy importante para un ingeniero el conocimiento exacto de las finalidades del artista. Algunos artistas quieren que sus producciones suenen brillantes, otros desean conseguir un amplio margen dinámico que contribuya al desarrollo de su música, y luego están quienes buscan una grabación competitiva en términos de loudness.

Podría ser de gran ayuda que el artista provea un tema de referencia con un mastering objetivo, pues su ejemplo apuntará hacia la finalidad perseguida, al tiempo que podrá ser empleado en comparaciones A/B durante el proceso de masterización.

MASTERING VARIABLE SEGÚN EL CONTEXTO MUSICAL

Si bien hay un mundo de “buenas prácticas” en cuanto al mastering de audio, los diferentes géneros musicales se benefician de la aplicación de una variedad de técnicas de masterización. Una producción dance quizá sólo contenga sonidos de sintetizadores y cajas de ritmo, pero una pieza de rock llevará guitarras, bajo, batería y voces… Tal diversidad de instrumentación se acopla después con técnicas de composición y arreglos que contrastan y que pretenden impactar en la audiencia de formas únicas. Así las cosas, el ingeniero demastering necesita abordar los diferentes masters con una sensibilidad diferencial.

En un tema hip hop energético con un inmenso y retumbante bajo, la energía ha de ser mantenida y la pegada en graves debe ser la guía: todo ello requiere dosis de compresión multibanda sabiamente aplicadas. En la imagen que viene ahora, la banda de graves está siendo comprimida de una forma severa (2.7:1) para después realzarla en ganancia (2.0dB), con la intención de preservar su energía al tiempo que se mantienen unos niveles razonables.

Por otro lado, en los términos de una grabación de música clásica -donde el margen dinámico es la sangre vital del género- será necesaria una compresión muy sutil, si es que acaso hace falta alguna. En la siguiente imagen tenemos un ratio de compresión muy comedido (1.1:1) que es aplicado para reducir levemente la dinámica.

En el caso de un tema de rock duro que incluya una gran cantidad de guitarras con distorsión, la profundidad es la clave. La sensación de espacio es importante no sólo para crear un lugar de representación sonora, sino también para soportar la agresividad procedente de las guitarras.

Para contribuir al refuerzo de la sensación de profundidad, un ingeniero de mastering podría echar mano de la ecualización Mid/ Side, y realzar levemente la presencia lateral en agudos. Ello contribuiría a incrementar la sensación espacial sin alterar los sonidos centrados más importantes, como la pista de voces (fíjate en la próxima imagen que ilustra dicho procesamiento).

Cada género musical posee sus propios atributos instrumental, composicional y de arreglos, y todo ello demanda una sensibilidad diferente en el momento del mastering. Un análisis pormenorizado de los ajustes preset específicos para géneros que se ofrecen en iZotopeOzone bien pudiera ser una forma interesante de aprender acerca de las diferentes técnicas de mastering, al tiempo que se escuchan los resultados. Cada tema musical es único -y algunas canciones requerirán más ajustes mientras que otras se saldarán con pocos.

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COMO CREAR UN BASSLINE DE TRANCE EN SOLO 3 PASOS

COMO CREAR UN BASSLINE DE TRANCE EN SOLO 3 PASOS

Trance es un género de música electrónica que se desarrolló en los años 1990. La música trance está caracterizada generalmente por un tiempo entre 125 y 150 BPM, fraseos melódicos cortos de sintetizador y una forma musical que sube y baja durante cada tema. Es el resultado de la combinación de diferentes estilos musicales, como el industrial, techno, música clásica, ambient, Glitch, Música cinematográfica. El origen del término es incierto, aunque se ha sugerido que puede derivar del álbum Trancefer, de Klaus Schulze, publicado en 1981, o bien del grupo Dance 2 Trance.

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Este es un ejemplo de la línea de bajo de conducción clásico utilizado en pistas que elevan el Trance. El patrón de 3-notas sigue una regla simple: cada nota fuera de compás está rodeado por 2 notas octavas más bajas. TEMPO: 135 BPM.

PASO 1 – Crear un nuevo clip, una barra larga e inserte la nota fundamental (F en este caso) en cada lugar fuera de compás:

COMO CREAR UN BASSLINE DE TRANCE EN SOLO 3 PASOS Sonará como esto:

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PASO 2

– Para conseguir ese efecto “rolling”, agrega la nota fundamental, pero una octava más baja, en torno a cada una de las notas fuera de compás:

COMO CREAR UN BASSLINE DE TRANCE EN SOLO 3 PASOS

Sonará como esto:

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PASO 3

– Crear la progresión principal. Tenga en cuenta que en los últimos 2 bares, se deduce F – G # – C, las notas del acorde menor F:

COMO CREAR UN BASSLINE DE TRANCE EN SOLO 3 PASOS

Sonará como esto:
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OSVALDO RADA GANADOR DEL DJ CONTEST RED STAR PARTY

OSVALDO RADA GANADOR DEL DJ CONTEST RED STAR PARTY

DNA Music Barranquilla y se complace en presentar el ganador del concurso RED STAR PARTY

Osvaldo Rada, el jurado Tomas Lopez y Andres Anaya (residentes del Colectivo), lo escogieron por su impecable tecnica de mezcla, manejo de EFX y programacion musical, Felicitaciones a nuestro ganador!!

La entrevista se realizara en vivo por www.dnaradio.fm.

DNA Music, Mas que una academia…

…Un estilo de vida!

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HENRY URETA GANADOR DEL DJ CONTEST KARNIVAL PARTY

TÉCNICAS DE COMPRESIÓN POR : PAUL LENNAR

Hablando de producción musical, soy de los que piensan que no cualquier tiempo pasado fue mejor. Es evidente que trabajando con lossistemas analógicos de la vieja escuela conseguimos un color característico, que queramos o no, según el preset de cada maquina empleada; Esto, lejos de ser un problema, era aprovechado por los técnicos para dar mas “punch” y calidez a las pistas. Buena parte de ese color se conseguía fácilmente durante la grabación, utilizando técnicas como tape compression o tape saturation, que facilitaban el proceso de la mezcla, ya que, al contrario de hoy en día, se contaba con recursos más limitados, y las mezclas no eran tan hiperprocesadas. Con esto no quiero decir que antes, al mezclar se limitaran sólo a ajustar los niveles, de EQ, Reverb, mezcla etc y ya quedaba terminada, pero se sorprendería por lo simple que son algunas mezclas, en temas que son considerados obras maestras.

No voy a entrar en la eterna discusión de qué es mejor, si el analógico o el digital. Personalmente creo que los dos tienen ventajas y desventajas, lo que está claro es que hay que plantear la mezcla de formas diferentes para llegar a resultados similares.

Hoy en día son pocos los afortunados que pueden darse el lujo de grabar en analógico, ya que el precio es realmente elevado. Sólo el precio de las cintas representa una parte muy importante del presupuesto total de la mayoría de producciones actuales, además el mantenimiento y puesta a punto de un grabador analógico supone una importante suma de recursos y tiempo.

En principio, los sistemas digitales son mucho más “neutros” y eso implica que todo el color y la calidez que podíamos conseguir más fácilmente con los sistemas analógicos no los tenemos de entrada, por eso tenemos que cambiar nuestra forma de trabajar respecto a como se hacía anteriormente. Una de las técnicas que nos puede ayudar es la llamada: compresión paralela. No es una técnica nueva, ni pretende emular las técnicas antes citadas de grabación en cinta, de hecho se utiliza desde hace mucho tiempo, pero creo que es ahora en los entornos digitales actuales, su uso nos puede representar una importante ayuda en nuestras mezclas.

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El regreso del Cassette.

EL REGRESO DEL CASSETTE.

SONY LANZA UN NUEVO TIPO DE CINTA DE CASSETTE CAPAZ DE ALMACENAR 185TB DE DATOS O 65 MILLONES DE CANCIONES

Durante un tiempo, la cinta de cassette dominó de manera absoluta el mercado de ventas de música. Sólo en 1990, se vendieron 442 millones de cintas o cassettes. Sin embargo, con la llegada del CD, el nacimiento del mp3, y la eventual resurrección de vinilo, las ventas disminuyeron, y en 2007 se vendieron sólo 274,000 cassettes individuales. Hoy en día, el uso del cassette es prácticamente un tema de nicho, nadie los usa y los equipos de audio ni siquiera vienen con cassetteras.

Pues bien, cuando todos pensábamos que las cintas de cassette eran parte de la historia, Sony ahora viene y lanza un nuevo tipo de cassette que puede almacenar la friolera de 148 gigabytes por pulgada cuadrada o lo que es lo mismo, 185 terabytes de datos totales.

La cinta, que fue presentada este fin de semana en la International Magnetics Conference en Dresden, almacena aproximadamente 74 veces la cantidad de datos que almacenan las cintas estándar. Para que te hagas una idea, la mayoría de cintas estándar sólo pueden almacenar alrededor de 29.5 GB por pulgada cuadrada.

Ante la diferencia abismal de capacidad sólo cabe una pregunta: ¿Qué hizo Sony para incrementar de tal manera la capacidad de almacenamiento de la cinta de cassette?

Según Gizmodo:

“La cinta utiliza una técnica de formación de vacío denominada deposición catódica para crear una capa de cristales magnéticos por disparos de iones de argón en un sustrato de película de polímero. Los cristales, que mide tan sólo 7.7 nanómetros en promedio, juntos consiguen más densidad que cualquier otro método anterior.”

A continuación te mostramos algunas comparaciones que te harán entender mejor qué tanto puedes almacenar en 185 terabytes.

En una sola de estas nuevas cintas magnéticas puedes almacenar un total de 3.700 discosBlu-rays. Esas son muchas películas.

Puedes guardar un total de 64,750,000 canciones. Si las canciones tienen una duración promedio de 3 minutos, una cinta será suficiente para almacenar música para reproducir de manera continua por 134,896 días. Más o menos 369 años.

El catálogo de canciones de iTunes cuenta con poco más de 26 millones de canciones, lo que significa, que en una de estas nuevas cintas cabe dos veces (y sobra espacio) todo el catálogo de iTunes.

La totalidad de la Biblioteca del Congreso cabe en 10TB. Una cinta puede almacenar 18,5 veces la Biblioteca del Congreso. La cinta estará disponible para la venta comercial, pero no se sabe aún una fecha de lanzamiento. Aunque en principio la cinta fue desarrollada originalmente para el almacenamiento de data a largo plazo a nivel industrial/empresarial”, no hay razón para que el usuario no la utilice para almacenar música, juegos, video (películas) o lo que quieras.

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LAS OTRAS CONSECUENCIAS DE LA CRISIS

LAS OTRAS CONSECUENCIAS DE LA CRISIS

La llamada CRISIS, un invento que parece habernos sido impuesto por los poderes fácticos del planeta (léase la banca y las financieras que compran a la clase política) no ha sido el principio de la gran depresión en la industria del audio y, principalmente, en los estudios de grabación. Eso ha empezado unos años antes en realidad, con una sucesión de inventos que, primero, abarataron los costes de producción de los soportes musicales, después democratizaron el acceso a los equipos de grabación y producción, acelerando la caída de precio del alquiler de estudios profesionales hasta límites insostenibles —con la consecuente dificultad en mantener la inversión, la calidad de los servicios y, más que todo, el buen estado de la maquinaria— y, por último, introdujeron los codecs de compresión y sus derivados (mp3, etc) que llevaron a la extinción sistemática de las compañías de discos.

No se entienda que nutro alguna especial simpatía por las discográficas —yo que las he sufrido años seguidos desde el final de los 60 hasta no hace mucho—, pero mi última experiencia discográfica demuestra bien que sin el apoyo de una estructura de ese estilo, las obras se quedan en almacén y pierden “validez”, aunque los nuevos “amos del universo” nos quieren convencer de lo contrario. Por otro lado, los derechos y los royalties reciben ahora bastante peor trato que el de que nos quejábamos hace una década atrás. Por eso creo quehemos sufrido una regresión, no muy distinta a las que, todos los días, asistimos a nivel social.

De cualquier modo, lo peor del mp3 no ha sido la ruina de los distribuidores de música. Eso ha sido un efecto colateral y era algo previsible. No, lo peor ha sido que, a la consecutiva desaparición de las más diversas compañías discográficas, ha correspondido un creciente control de la distribución por parte de los gigantes de la informática y, al crearse una especie de monopolio compartido (y consentido), no nos queda más, a los consumidores, que tragar con las condiciones que nos impongan y la calidad que “ELLOS” entiendan ser la “adecuada”.

Uno de los primeros resultados ha sido la “baja de la guardia” por parte de la comunidad afecta al audio y a la música en general, en lo que se refiere a la calidad sónica de lo que escuchamos, pero la más tremenda consecuencia está siendo la (de)formación de las nuevas generaciones que, en el espacio de poco más de una década, han perdido completamente las referencias y han aceptado como “gran calidad” de reproducción lo que sale a través de los auriculares de los smartphones y de los ordenadores.

Si algún efecto inmediato ha tenido este nuevo paradigma, ha sido el de crear el caldo de cultivo para la aparición de los anunciados “estudios de grabación de bajo coste” —en realidad, a precio de saldo—. Con un ordenador de sobremesa y un par de micrófonos de dudosa procedencia, conectados a través de un interfaz de una famosa marca Alemana de calidad mediocre, todo dentro de una habitación o de un garaje forrado ya sea con cortinas o con las famosas hueveras y tenemos un estudio de grabación. Grabamos por un precio fijo/canción y, como apenas tenemos gastos fijos mensuales, nuestro estudio nos da para las birras y alguna que otra pequeña extravagancia cada dos por tres. En 3 meses nos hacemos con una cajas auto-amplificadas, que las hay en el mercado por 399€ la pareja, y subimos de nivel. Ya somos un estudio de mezcla, pues ya tenemos escucha y dejamos de lado los auriculares. Acto seguido, le pillamos el punto a la escucha y a la habitación —un par de colchones en las esquinas frontales, por detrás de la escucha ayudan— y nuestro amiguete, especialista en crackear software, nos trae el último plugin de dinámica y… ¡somos la hostia! ¡Hacemos mastering! En el Facebook, por debajo de nuestra oferta de “Estudio de Grabación” ya podemos hasta poner: Calidad Profesional.

Todos conocemos alguien que lo está haciendo aún más barato que alguien que ya lo hacía muy barato. ¿Que el resultado no será muy bueno? Bueno, ¿qué más da? Al final, ¿donde lo van a escuchar? En la radio, con un poco de suerte. Sí, pero la radio lo comprime a tal punto que todo suena igual de aplastado. Además, la gente cada vez escucha menos la radio. O la escucha on-line a través de los mismos aparatos con que se baja la música. Esta parece ser la realidad, y se cambia, me temo que solo pueda ir a peor.

¿Consecuencias del nuevo paradigma? Pues unas cuantas:

La primera ha sido la globalización de la distribución musical, con las ventajas y desventajas que eso pueda acarrear. ¿Que cualquiera puede hacer llegar, con la velocidad de la luz —literalmente— su música a las antípodas y, en un ápice, recibir 1000 “me gusta” en un mismo día y 100.000 a lo largo de un par de meses? ¡Sí, es verdad! ¿Pero va esto a traducirse en algún retorno para el creador/ejecutante de la obra? Esto es, ¿el músico que compuso el tema va en realidad a ser capaz de vender su trabajo y (sobre)vivir de él? Es que la Red nos da esa sensación, muchas veces, pero bien analizado el caso, sólo suele ocurrir cuando una de las grandes distribuidoras se interesa por tu producto y automáticamente te “contrata”. Por lo demás la Red distribuye y “protege”, cobrando bien por ellos, a los artistas consagrados que han entrado por el aro o que ya estaban amarrados a las 2 grandes discográficas que, in extremis, se han subido al carro de la distribución on-line.

Lo que pasa en los grandes concursos televisivos o en los reality-shows dedicados a la “música” (y lo pongo entre aspas con intención) también es sintomático. Los contratos de esos concursos que me han pasado por las manos, plasman poco menos que la aceptación de un estatuto de esclavitud.

La salida para la inmensa mayoría de los músicos —principalmente los que no se alinean en la misma cantiga pop de refrán facilón—, es tocar en bares donde, en esta década, cobran menos que en la anterior y mucho menos que lo que se cobraba en la que le precedió. Esto si no te cobran el alquiler de la sala y te “permiten” que les animes la noche y predispongas la clientela para “asaltar” el bar unas cuantas veces. Alternativamente, puedes engrosar el cartel de algunos festivales, por una sopa y un par de sandwiches.

Esta es la cruda realidad de una buena parte de la música, a día de hoy. Si la música está enferma, la grabación de la misma solo puede sufrir contagio. Y eso se traduce en la desaparición de los espacios adecuados para grabarla y preparar su distribución en condiciones mínimamente aceptables. ¿Qué digo? En condiciones, punto.

En la primera mitad del siglo pasado se grababa directamente al disco y la calidad era la posible, dado el medio. Luego con la cinta magnética se descubrió que podíamos manipular la amplitud (volumen) de nuestra grabación y evitar sobremodular el medio final de distribución —el vinilo—. Más tarde volveríamos a la grabación directa sobre el disco de metal que serviría de molde a la galleta de vinilo, pero, entonces, la eficiencia de los compresores y demás aparatos de pre-amplificación nos aseguraban el éxito. Durante casi 5 décadas la filosofía por detrás de las varias industrias involucradas era la EXCELENCIA, porque sí y porque el consumidor lo exigía. Alguno, hasta se compraba un sistema millonario de alta fidelidad, donde cualquier pequeña distorsión o fallo de grabación era inmediatamente detectable.

Fue así que asistimos al aparecimiento de marcas como Neve, Helios, SSL, Raindirk, API, Amek, Harrison, MCI, Ampex, 3M, Studer, Otari, Universal Audio, AMS, Fairchild, Summit, Tube-Tech y un largo etc y, con ellas el audio y la música han conocido una época dorada.

Y, avanzada la segunda mitad del siglo, el digital echó la cabeza y una mano llena de esperanza en superar el silencio del Dolby SR, la resolución y detalle de los micros y previos más sofisticados o la dinámica de las máquinas de cinta más avanzadas, y mientras nos distraíamos debatiendo nuestras justificadas dudas sobre los niveles adecuados de grabación, la velocidad de muestreo o la cantidad de bits para una dinámica superior a de la maquinaria analógica, nos pasaron por la derecha, el ADAT, el TDIF, los conectores Toslink, los Sub D que hasta entonces solo se usaban en las impresoras y, cuando nos dimos cuenta, se habían instalado en los mejores lugares y en la casa de las “mejores familias”. De ahí al mp3 y al DAB (Digital Audio Broadcast) ha sido un paso. La filosofía del “suena bien c.b.p.” se había instalado, para júbilo de los contables y sus amos, ante la pasividad de los ingenieros y la rabia de los músicos.

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DAVE SEAMAN DJ CONTEST

DAVE SEAMAN DJ CONTEST

DNA Music Barranquilla y Eventos Premium Top presentan el #DJCONTEST para nuestros alumnos y exalumnos de la academia, esta vez se escogera el mejor #Dj de la escena Underground, para ser el#Warmup oficial del gran Dj Britanico Dave Seaman, el concurso sera este proximo Sabado: 23 de mayo en Cll92#49c-102 info:3005353 Recuerda fecha de iniciacion de clases proximo: 19 de mayo 2015 !

INFO EVENTO: https://www.facebook.com/events/1627423704138382/

Fecha Contest: Sabado 23 de Mayo

Categorias : Underground

Hora: 12:00am

Tiempo : 5 min por participante

Lugar: DNA Music Barranquilla Calle 92 # 49C – 102

Info: Tel. 3005353

No te lo puedes perder, transmision en vivo por www.dnaradio.fm !!!

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