La evolución histórica de los CDJ de Pioneer

LA EVOLUCIÓN HISTÓRICA DE LOS CDJ DE PIONEER

Los CDJ de Pioneer llevan tanto tiempo con nosotros que parecen que están aquí desde que el DJ empezó a serlo. Sin embargo, el primer modelo fue creado en 1992, se llamó por aquella época Pioneer CDJ-300 y sinceramente por lo que me han contado DJs más viejos que yo no despertó muchas expectavivas por aquella época.
En los 90s triunfaban los reproductores de CDs dobles, especialmente los que fabricaba Denon, las cabinas que se atrevían a montarlo (los Technics eran un estándar en esos tiempos) eran consideradas punteras. Sí, en los 90s también habían DJs cuadriculados, incluso más que ahora, que no pinchaban sino era en vinilo, nombrar estas dos letras juntas, CD, era casi un insulto.

Los éxitos

A Pioneer le costó, pero insistió y en 1994 vieron la luz los Pioneer CDJ-500 que ya empezaron a llamar la atención. Dos años después, en 1996 salieron los Pioneer CDJ-500II. Este modelo fue el que realmente hizo pensar a muchos pasarse a CD, unido claro está que a mediados de los 90s se comenzaron a comprar Compact Discs en serio.

El verdadero boom llegó en 1998, ese año salió a la venta el mítico Pioneer CDJ-100, en muy poco tiempo se convirtió en un producto indespensable en cualquier cabina de calidad. Eso sí, acompañado siempre de los incansables Technics 1200 MK2. El único problema que tenía era que su Pitch no era muy exacto, si bien es cierto que era el más fiable del momento en comparación con los productos de la competencia.

En el 2000 Pioneer irrumpió con el CMX-5000, un doble reproductor que fue muy popular entre pubs, bares y pequeños locales porque era muy pequeño y prácticamente se montaba en cualquier sitio.

En 2001, el fabricante japonés vuelve a romper el mercado con el inesperado Pioneer CDJ-1000, una bestia negra que permitía hacer scratch con CDs, una auténtica revolución en aquellos tiempos. Marcó un antes y un después dentro de las cabinas de muchos clubes alrededor del planeta, ahí comenzó la verdadera transición del vinilo al cd. El CDJ-1000 pretendía emular las características de los amados platos, eran grandes muy grandes para lo que se estaba acostumbrado a ver y tenía un Pitch perfecto, era una roca apenas fallaba y fue la razón de que los DJs empezaran a dejar los vinilos en casa. Por fin había una manera fiable de pinchar con CDs, ese gran jog wheel permitía ajusta la mezcla de forma manual, por lo que sedujo a muchos a pasar al temido y a la vez odiado CD.

2006 y la presentación del Pioneer CDJ-1000 MKIII fue otro logro importante para la compañía nipona, la evolución de un clásico hacia el MP3, no hacía otra cosa sino ampliar el abanico de posibilidades para el DJ. Yo mismo me compré un par y muchas veces los hecho de menos, jamás me dieron un problema y los usé intensivamente durante casi 4 años hasta que me compré mi querido Traktor Kontrol S4.

Por fin los DJs no teníamos que llevar grandes maletas de CDs o vinilos y sobre todo no teníamos que estar continuamente grabando CDs de audio en los que apenas cabían 14 ó 15 canciones. Tostabas tus MP3 a la máxima calidad que pudieses y listo para pinchar, menuda maravilla.

El CDJ-400 en el año 2007 también marcó un antes y un después en la forma de pinchar de los DJs, ya había una manera fiable de pinchar con dispositivos USB. Eso sí, tardaba una eternidad en leerte un pendrive normalito (esa fue la razón por la cual eliminaron rápidamente este modelo del mercado y crearon el CDJ-350) y no aceptaba dispositivos con muchos gigas.

Pioneer CDJ-2000 supuso otra vuelta de tuerca a los cada vez menos utilizado CDJ, mantenía el tamaño del CDJ-1000 pero montaba un gran display LCD a todo color. Los japoneses sabían que lo digital se estaba imponiendo entre los home DJs (sus verdaderos clientes porque los grandes clubs y tops DJs son pocos comparativamente hablando ) y por eso tenían que lanzar un producto que estuviese a caballo entre lo “analógico” (lo pongo entre comillas porque un CDJ reproduce CDs que se considera un mecanismo digital y no analógico) y lo digital.

Pioneer CDJ-2000 Nexus, sigue la línea antes descrita, se integra perfectamente con Traktor gracias a su interfaz HID y a la vez soporta dispositivos USB. Contínua conservando la calidad de sus componentes y su gran construcción, que lo hace ser un producto sin competencia en el mercado actual.

Los fracasos

El Pioneer DMP-555 fue un auténtico fracaso comercial, inexplicablemente lanzaron el legendario CDJ-800 ese mismo año (2002). Y al final el 800 se llevó una parte importante del mercado, debido principalmente a que era un muy buen producto y su precio era sensiblemente inferior con respecto a su hermano mayor, el CDJ-1000. De hecho, el CDJ-800 era el más habitual entre las raves y las fiestas sin apenas presupuesto de la época, los DJs querían buenos reproductores pero no a unos precios desorbitados.

EL DVJ-X1 fue en 2004 el primer reproductor de DVDs de Pioneer, la idea era simple, ofrecer a los DJs la posibilidad de integrar video y audio en un mismo reproductor. Sin duda, una excelente idea, pero hubo un impedimento que no le dejó despegar, su altísimo precio. En aquella época, costaba casi 3.000 €, una auténtica fortuna para la mayoría (entre los que me incluyo yo por supuesto). Apenas se veía en los clubs, ni siquiera en los grandes, y eso que era compatible con CDs, DVD -R y DVD+R, cosa no muy habitual en aquel momento. Yo creo que también influyó mucho en las ventas el concepto, para sacarle todo el jugo al cacharrito, había que prepararse las sesiones en video, grabar los DVDs, disponer de pantallas en el club, etc. El resultado final era grandioso, pero el coste en horas de trabajo y preparación que suponía integrar video en las actuaciones de los DJs era muy grande (de hecho, inexplicablemente seguimos separando el video del audio cuando pinchamos, pero eso será analizado en otro artículo).

El Pioneer MEP-7000 fue un buen producto lanzado en un momento erróneo, Pioneer sabía que los reproductores dobles eran muy populares en bares y pubs. Por eso lanzó este modelo que soportaba MP3 y que seguía teniendo la capacidad de “mezclar” canciones automáticamente como los modelos anteriores. Sin embargo, en mi opinión no cuajó porque en 2007 la mayoría de los pubs tenían ya instalado un portátil y obviamente los propietarios no necesitaban nada más para ambientar sus locales.

Lo inexplicable

Siempre me he preguntado porque algunos modelos de Pioneer han sido nombrados de manera tan errática, me explico, en 2007 salió el Pioneer CDJ-400 porque coño en 2010 lanzan el CDJ-350. Supuestamente la numeración tiene que aumentar o cambiar (pero siempre hacia adelante), de cara a los clientes parece que estás adquiriendo un modelo inferior.

Un amigo se compró el Pioneer CDJ-400 y cuando se enteró del lanzamiento del CDJ-350 me preguntó inmediatamente porque la numeración era inferior si las prestaciones del 350 eran muy parecidas al del 400. Como te comenté antes, el bulo que siempre ha corrido es que Pioneer se cargó el 400 por los problemas que originaba con los pendrives.

Esto mismo pasó con el CDJ-900, lanzado en 2009, ¿por qué carajo en 2010 lanza Pioneer el CDJ-850¿. Para mí no tiene sentido, lanzar nuevos modelos con iguales o superiores características que los anteriores debe suponer una mejora en la numeración o por el contrario un cambio radical de nombre.

Conclusión

Gracias, gracias y un millón de gracias más a Pioneer. Porque sus 20 años de historia en cuanto a lanzamiento de CDJs puede ser considerada un auténtico éxito, de hecho no ha existido jamás una empresa que haya dominado tanto el mercado de la tecnología DJ como Pioneer.

Sus productos siempre han destacado por su incuestionable calidad, si bien no es una empresa muy innovadora, la mayoría de las veces Denon y Numark lanzan productos más novedosos. El fabricante japonés muy pocas veces ha defraudado a sus seguidores en cuanto a la calidad de sus CDJs. Porque lo que Pioneer implemente en sus productos siempre funciona, digan lo que digan, sus ingenieros siempre han perseguido la calidad.

Sus detractores siempre dirán que es una marca cara muy cara, pero la calidad tiene un precio y la excelencia en los productos también. Aunque, yo ahora mismo no me compraría unos CDJs ni de coña (porque son muy caros para mí en este momento no por otra cosa), reconozco que es un estándar y que los controladores no tienen porque destronarlo de las mejores cabinas del mundo (los home DJs son otro mundo), siempre claro está que Pioneer sepa seguir la estela que marcan los DJs, y en este momento esa estela se llama digital.

Este pequeño homenaje a Pioneer.

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JULIAN ANDRES SUAREZ RODRIGUEZ

JULIAN ANDRES SUAREZ RODRIGUEZ

Conocido como Chisga. Nacido en Simijaca (Cundinamarca) tiene 17 años, apasionado por el electro house, progressive house y el hardstyle. Su interés profesional es llegar a ser el mejor Dj – Productor del mundo en su música y lo está haciendo en la academia DNA MUSIC Bogotá, en el programa Master en audio, mezcla y producción musical.

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LA ECUALIZACIÓN EN LA MEZCLA

LA ECUALIZACIÓN EN LA MEZCLA

LA ECUALIZACIÓN

En la mezcla se suelen emplear varios modos de ecualización. La imaginación es pródiga en cuanto a la variedad de nombres que reciben. Para referirnos a ellos, por llamarlos de algún modo, recurrimos a algunos de los términos que más se repiten; da igual como los llamemos, lo importante es lo que significan:

Limpiadora, clínica o “quirúrgica”. Se centra en un solo instrumento o voz o, lo que es lo mismo, en una pista concreta, sin tener en cuenta el resto. El objetivo es buscar y eliminar frecuencias molestas, disonantes o estridentes.

Limitadora o definidora de rango. También sobre una pista individual, trata de atenuar o eliminar las frecuencias que no aportan nada porque están fuera de su rango útil. Es decir, encajan el instrumento o voz dentro de su rango correspondiente. Por último, define sus frecuencias más características y las refuerza, si es necesario.

Musical, general o global. Tiene como fin la mezcla en sí misma, considerada como una unidad. Persigue la integración de todos los instrumentos y voces para que el conjunto suene equilibrado. Todo vale: Lo importante es la mezcla.

PISTA A PISTALocalización y tratamiento de frecuencias sensibles

Lo habitual es comenzar por pistas individuales, de una voz o un instrumento, una a una. Para ello, debemos escuchar atentamente, tomar notas y, por último, decidir si debemos aplicar ecualización o no (no siempre es necesario). A modo de guía, podemos seguir las pautas que se describen a continuación.

FRECUENCIAS EXTRAÑAS

Son frecuencias que resultan desagradables al oído, en especial si destacan o sobresalen. Normalmente, se trata de armónicos disonantes que han resultado realzados durante la grabación. Eso no significa, a priori, que la grabación sea deficiente, ni que se haya producido algún problema relacionado con el micrófono o con la acústica de la sala. Es necesaria una ecualización “quirúrgica”.

Para localizarlas utilizamos una “Q” de banda muy estrecha con una ganancia alta y, mientras reproducimos la pista, nos desplazamos por el rango útil del instrumento o voz hasta detectarlas. Aquí, el oído ¡y unos buenos monitores! son fundamentales, no existen las fórmulas mágicas.

Una vez localizadas, con la misma “Q” estrecha para no afectar a las frecuencias próximas, reducimos su ganancia al mínimo (Filtro de recahzo o Notch. Ver).

Es obvio que necesitamos un ecualizador que permita trabajar con varios puntos de ecualización (cuantos más mejor) puesto que pueden aparecer varias de estas frecuencias.

FRECUENCIAS FUERA DE RANGO

En este caso el objetivo es filtrar todo aquello que no aporta nada, es decir, las frecuencias que quedan fuera del rango útil del instrumento o voz y que, además, ocupan un espacio precioso para otros elementos que sí pueden necesitarlo. Aplicamos una ecualización limitadora o de definición de rango.

Una vez determinado el margen útil del instrumento o voz aplicamos un filtro de paso alto con una curva pronunciada en el límite inferior de los graves o, tal vez, comenzar incluso un poco más adelante.

En el extremo agudo… Podríamos emplear un filtro de paso bajo, de modo similar que para los graves, pero a la inversa; sin embargo, algunos ingenieros prefieren no hacerlo y abren la mano para permitir que los armónicos, más agudos que el límite de frecuencia útil (su nota más aguda), no se corten. Le llaman a eso, dar “aire”. Buena idea.

FRECUENCIAS ÚTILES

Una vez pulidos los defectos de la pista y limitado el margen útil de actuación comenzamos a buscar aquellas frecuencias o rangos de frecuencias que la fortalecen, añaden “presencia” y “vida” a la voz o al instrumento. Definimos su rango útil. (Ver).

Utilizaremos un factor de calidad “Q” ancho, puesto que es más musical, y vamos ensayando mediante la técnica de prueba y error mientras recorremos su rango útil.

Al final, descubriremos cuales son la frecuencias que nos proporcionan lo que queremos y las reforzaremos “con sentidiño” (pensando bien lo que hacemos, diría mi abuela).

FRECUENCIAS ÚTILESParámetros de ecualización por elementos

No se trata de consejos, ni de recomendaciones. Son algunas frecuencias o rangos de frecuencias que, por sus características y “peso”, son relevantes para el elemento (instrumento o voz).

En el apéndice titulado “La ecualización” se anexa una tabla en la que se listan unos instrumentos junto con sus frecuencias útiles y banda de armónicos principales. Sin embargo, también conviene saber a qué, o cómo, afecta cada frecuencia.

LA VOZ

No se trata de consejos, ni de recomendaciones. Son algunas frecuencias o rangos de frecuencias que, por sus características y “peso”, son relevantes para el elemento (instrumento o voz).

En el apéndice titulado “La ecualización” se anexa una tabla en la que se listan unos instrumentos junto con sus frecuencias útiles y banda de armónicos principales. Sin embargo, también conviene saber a qué, o cómo, afecta cada frecuencia.

CAJA

Cada caja es un mundo. Estas, no obstante, son frecuencias importantes—

120 Hz: Recorte con filtro de paso alto
200 – 350 Hz: Aportar cuerpo
250 – 750 Hz: Trabajar mucho este rango para evitar que suenen “acartonadas”
2 – 5 Khz: Resonancias metálicas del arco. Aporta brillo
5 – 8 Khz: Mayor pegada / Pegada más seca
10 Khz: Brillantez. Cuidado aquí Las cajas son muy difíciles de ecualizar.

TIMBALES – TOMS

100 Hz: Aportar cuerpo
300 – 750 Hz: Recortar para evitar que los timbales suenen acartonados
400Hz: Recortar. Es la zona más propensa a producir sonido “acartonado”
. 5 – 7 Khz: Agrega ataque y pegada. ¡Ojo! Puede hacer que suenen metálicos

PLATOS

200 Hz: Disminuir el sonido “gong”
400 Hz: Recortar para reducir el sonido “habitación”
8 – 15 Khz: Rango sobre el que trabajaremos el brillo de los platos
10 Khz: Dureza a platillos
15 Khz: Aumentar el brillo

OVERHEADS

250 Hz: Cortar por debajo para evitar anulaciones de fase. (Ver siguente)
1 Khz: Cortar graves hasta esta frecuencia sólo para captar los platos
8 Khz: Proporcionar más aire

BAJO

No recortaremos nunca en los graves salvo que sature o compita en exceso con el bombo.

50 Hz: Atenuar. Mejor reconocimiento de la línea de bajo o disminuir la “pegada”.
100 Hz: Agregar más cuerpo.
250 Hz: No forzar en esta frecuencia:
400 Hz: Agregar claridad a líneas de bajo:
800 Hz: Aporta claridad y “punch” al bajo:
1,5 Khz: Claridad de púa en bajos eléctricos:
2 – 3 KHz: Más presencia y sonido de púa:
5 KHz: Más “sonido de dedos”:

GUITARRAS

100 Hz: Agrega cuerpo: Disminuir para reducir “pegada” – Más claridad
200 Hz: Agrega cuerpo (sonido más duro):
150 200 Hz: Como norma general, cortaremos por debajo de aquí para evitar choques de bajo y bombo

Este recorte de graves también evitará que la mezcla se enturbie
800 Hz: Mejorar sonido guitarra “barata”
: 1,5 Khz: Sonido apagado de guitarras:
3 KHz: Más ataque de guitarra eléctrica/acústica: Disminuir para disfrazar guitarras fuera de tono
5 KHz: Brillo a acústicas débiles u oscuras: Disminuir para suavizar guitarras “flacas”, agudas
7 KHz: Aumentar para agregar “filo”:
10 KHz: Brillo típico de las guitarras acústicas:

OTROS ELEMENTOS

En general, suelen estarán recortados en graves para que empasten mejor en la mezcla y no ‘molesten’ al resto.
50 Hz: Cuerpo a los instrumentos de bajas frecuencias:
100 Hz: Dureza a los instrumentos de bajas frecuencias: Más calidez a pianos y vientos
200 Hz: Quitar para menos ‘turbidez’ en instr. de rango medio:
400 Hz: Hay quien recorta de aquí para atrás, con una curva suave. Mejor, con un filtro de paso alto
3 KHz: Ataque en partes de piano bajo. Claridad: Disminuir para proporcionar aire y un sonido más suave
5 KHz: Reducir para “alejar” las partes secundarias:
7 KHz: Agregar “filo” a sintetizadores y piano:
10 KHz: Brillo a pianos:
15 KHz: Brillo a voces, cuerdas y flautas: Hacer los samplers más reales

TENER EN CUENTA.

Si tenemos que cargarnos el “brillo” de una de las guitarras para que la voz se perciba con mayor presencia, lo hacemos. Y si el bombo se come al bajo, recortamos un poco en los graves del bombo (o combinamos con una compresión sidechain).
Todo lo que haga falta para que la mezcla suene bien, equilibrada, como una unidad. El fin último es lograr la mayor sonoridad del conjunto, lo que conseguiremos situando cada frecuencia

Punto de partida

Como punto de partida para que nos ayude a situarnos dentro del rango general tomaremos como referencia un instrumento grave, por ejemplo el bombo, y otro agudo, como un plato o una pandereta.
De este modo, tendremos limitados los extremos de nuestro material de trabajo y será más sencillo acomodar el resto.
La tabla de instrumentos con sus frecuencias incluida en el apéndice “La ecualización” puede sernos muy útil también en esta etapa.

Solución de conflictos

Algunas veces podemos observar un efecto que nos puede sorprender o llamar, cuando menos, la atención.
Hemos realizado un trabajo exhaustivo de ecualización en un instrumento individual. Suena de maravilla. Sin embargo, al escucharlo en conjunto tenemos la sensación de que la mezcla suena con poca claridad, opaca.
Es lo que se conoce como efecto de enmascaramiento. Las frecuencias de distintos elementos se superponen e interfieren entre sí.
Nuestra labor consiste en detectarlas y distribuir, de nuevo y correctamente, las frecuencias de los instrumentos o voces que chocan de modo que se reduzca dicho efecto.

EL BOMBO Y EL BAJO

En las frecuencias graves el bombo y el bajo ocupan el mismo espacio en una zona más o menos amplia.
Probamos a incrementar 1 ó 2 dB. en la banda 80 – 120 Hz. para el bajo, o insistir sobre sus armónicos principales. También es útil aplicar técnica de “Doble o mitad” Valorar el uso de compresión sidechain.

VARIAS GUITARRAS

Las guitarras ocupan el mismo rango de frecuencias.
Recortamos las frecuencias bajas en una y estiramos las altas en la otra. Complementar con un poco de panoramización

PARA TERMINAR.

Por estas razones, la ecualización es un proceso importante dentro de la mezcla ya que permite darle libertad a ciertos instrumentos y por supuesto liberar secciones del proyecto en el que estemos y evitar problemas de fase muy notables, conociendo cada uno de sus parámetros ya sea gráfico, semi-parametricos o paramétrico los ecualizadores nos brindan una gama extensa de opciones para darle nuestro toque artístico a los instrumentos y darle el enfoque que queremos a la mezcla la cual puede variar de acuerdo al género, intención y dinámica de la música que estemos trabajando

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Steveen Peña Cubillos

STEVEEN PEÑA CUBILLOS

Conocido como Dj Nacho , estudiante del programa Master en Audio y Producción musical.Nos presenta su ultimo proyecto en el que se destacan tanto sus habilidades de Producción como de performance, a través de este Live remix ejecutado en Ableton Push.

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COMO SER UN PRODUCTOR MUSICAL

COMO SER UN PRODUCTOR MUSICAL

1. Considera aprender a tocar un instrumento. No tienes que ser un virtuoso para ser un productor musical, pero entrenar tu oído y aprender teoría musical beneficiará enormemente a tu carrera. También debes intentar componer tus propias canciones, dominar los ritmos o tal vez, hasta aprender a tocar desde una partitura. Comprender la música desde el otro lado de la consola de sonido te hará preparará mucho mejor para escuchar todo su potencial. Considera estos tres instrumentos básicos:

Probablemente, el instrumento más versátil para un productor, ser capaz de improvisar en el piano es grandioso. Ya sea que simplemente estés intentando idear un concepto o que quieras grabar una frase en particular, el piano es casi indispensable.
El aprendizaje de la guitarra te ayudará a profundizar fácilmente en los acordes y de inmediato a ser relevante para un gran género de la música: el rock (junto con sus varios primos, hijos y nietos). Muy subestimado pero sigue siendo esencial. Ser capaz de tocar el bajo te ayudará a llevar la sección de ritmo, así como elaborar ideas musicales muy básicas

2. Domina la tecnología. Para crear y manipular música, tienes que aprender a usar una consola de sonido y tantos programas de procesamiento de música como puedas. Si todavía no tienes experiencia en producción de sonido, Cubase es un buen programa secuenciador con el que puedes empezar.

Los programas secuenciadores de música como Cakewalk Sonar, Reason y Pro Tools ayudan a los productores musicales a adaptar y modificar la música que graban. Los productores de hip-hop y de “dance” normalmente utilizan FL Studios, que también se puede usar para pop. Si estás pensando en producir música de hip-hop, piensa en invertir en un muestreador (sampler). El Mpc60, Sp1200 y S950, son populares entre productores de la era de oro, tales como Pete Rock y DJ Premier

3. Conoce los fundamentos de la mezcla.Conoce lo que quiere decir mezclar una pista: cómo fundir todos los sonidos dispares en una mezcla meliflua.

Conoce la diferencia entre “dentro de la caja” y “fuera de la caja”. Dentro de la caja significa que sólo estás mezclando en un programa de computadora; fuera de la caja quiere decir que estás mezclando con una consola de sonidos y otro equipo no-computacional para lograr tu sonido.
Conoce la diferencia entre una mezcla estéreo y una mono. Las mezclas estéreo representan dos pistas diferentes en la misma canción, una para el oído izquierdo y otra para el derecho; las mono representan un solo sonido para la pista. Conoce qué poner en el centro de tu mezcla. El bajo y las voces por lo general deben quedarse en el centro de tu mezcla, no en uno de los lados. Generalmente se puede experimentar con otros instrumentos, pero el bajo y las voces (en mayor parte) se desempeñan mejor en el medio.

4. Conviértete en un estudiante de música. Toma tus estudios con seriedad. Los productores musicales están en el negocio de hacer música, a menudo con la ayuda de otras canciones. Los productores de hip-hop, en particular, cuyo trabajo consiste en tomar muestras de otras canciones y modificarlas en un ritmo diferente, necesitan ser estudiantes de música voraces. Si no eres un estudiante de música, muy pronto descubrirás que te estás limitando innecesariamente.

5. Piensa siempre en qué sonidos combinan bien. Tu trabajo como productor musical es hacer música fascinante, intrigante y que sacuda el alma. A menudo, esto significa explorar la manera en la que interactúan diferentes sonidos y diferentes géneros.

George Martin, el ilustre productor de The Beatles, introdujo lo que ahora llamamos música del “Mundo” en el canon popular. Martin ayudó a incluir la cítara en canciones pop exuberantes. Esto fue realmente el Oriente encontrándose con el Occidente

6 . Crea un poco de música. Procura hacer lo que sea que se sienta mejor: punk, ska, rock, rap, R&B, country, funk, jazz y demás. Al principio, concéntrate en dominar un estilo de música. Esto te permitirá hacerte de un nombre en un género en particular, antes de avanzar a diferentes estilos musicales. Debido a que a menudo involucran menos instrumentación, el Hip-Hop, R&B y el Pop son los más fáciles para comenzar.

Con el tiempo, intenta experimentar con más géneros. Mientras más géneros manejes con fluidez, más amplios serán tus horizontes (y más clientes tendrás). Sin embargo, no te extralimites demasiado pronto. Domina un género antes de continuar con el siguiente.

7. Transforma un clásico. Toma una canción conocida, preferiblemente una que haya tenido una manipulación mínima y dale tu propio sabor. ¿Qué tipo de potencial tiene? ¿Cómo la puedes mejorar? ¿Qué visión nueva tienes para que la canción se transforme en algo totalmente diferente?

Haz varias versiones para considerar las posibilidades. Haz una versión reggae de “The Wall” por ejemplo, o transforma una tonada oscura de jazz en un ritmo de hip-hop. No temas pensar en grande. Con el tiempo, intenta experimentar con más géneros. Mientras más géneros manejes con fluidez, más amplios serán tus horizontes (y más clientes tendrás). Sin embargo, no te extralimites demasiado pronto. Domina un género antes de continuar con el siguiente.

8. Colabora con otros productores musicales.Las colaboraciones han producido algunos de los temas musicales más memorables en el canon. No temas acercarte a un productor a quien admiras y preguntarle si le gustaría trabajar contigo. Las colaboraciones triunfan porque puedes usar las fortalezas del otro productor para enmascarar tus debilidades y, con suerte, usar tus propias fortalezas para enmascarar las del otro.

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10 TRUCOS PARA MANEJAR TRAKTOR COMO UN PROFESIONAL

10 TRUCOS PARA MANEJAR TRAKTOR COMO UN PROFESIONAL

Traktor es el rey y la mayoría de los DJs empiezan con aplicaciones más sencillas y tarde o temprano llegan al software de Native Instruments, algunos siguen y otros muchos cambian. Pero lo que todos tienen en común es que Traktor al principio es muy difícil de dominar, con estos 10 sencillos trucos podrás configurar el programa como los profesionales y que los errores al principio sean mucho menos traumáticos.

1. Cargar canciones sólo en decks vacíos: Un problema muy habitual, especialmente entre los DJs que usan controladores, es cargar una canción sin quererlo en un deck que se está reproduciendo en ese momento. Como es lógico, el track dejará de sonar y se quedará todo en silencio hasta que vuelvas a darle al Play con la nueva canción ya cargada.

Este error tonto puede solucionarse de manera muy sencilla, simplemente debes ir a Global Settings y dentro de Loading debes activar la opción “Loading only into a stopped deck”. A partir de ese momento, Traktor sólo cargará tus canciones en los decks que no se estén reproduciendo, si no es así te impedirá realizar la carga del tema.

2. Cuidado con el Auto Gain: Desde hace ya algunas versiones, Traktor incorpora la función Auto Gain, que como su propio nombre indica sirve para que sea el software quien calcule la ganancia adecuada a cada pista.

Esto que en principio puede suponer una ventaja, no lo es tanto si tenemos en cuenta que el volumen y el pitch son los dos factores principales que debe controlar un DJ para realizar una mezcla perfecta. Muchas veces Traktor enmascara las pistas aplicándoles una ganancia más baja o más alta de la que debiera. Es por ello que dependiendo del tipo de DJ que seas y del estilo musical que pinches, puede ser recomendable en muchas ocasiones desactivar esta función y confiar en nuestro oído que en definitiva es el mejor Auto Gain que existe.

3. Aprovecha las Carpetas Favoritas: La mayoría de los usuarios de Traktor utilizan las playlists para gestionar su música, pero si eres como yo que no te llevas muy bien con iTunes o prefieres ordenar tu música de una manera más “tradicional”, lo mejor es utilizar la función Favorites Folders. La misma está situada justo encima del Browser y es una especie de acceso directo a las carpetas que tienes en tu ordenador.

Para colocarlas y ordenarlas a tu gusto, debes navegar a través del árbol de carpetas en el Browser y arrastrarla al lugar donde quieras que se coloquen. Lo mejor de todo es que al ser un acceso directo a determinadas carpetas no tienes que preocuparte si están o no sincronizadas porque lo único que hace es mostrar los archivos que tienes dentro de esas carpetas, con lo cual de lo que realmente debes encargarte es de ordenar las canciones para que estas se muestren en el orden y con el nombre que quieras en la aplicación.

4. Cambiar directamente el nombre de las canciones en el Browser: La situación en la cual estás buscando un tema que no encuentras por el nombre que pensabas que tenía es muy habitual en Traktor, una canción que no está titulada o que su nombre no sea correcto puede suponer un verdadero quebradero de cabeza.

Por eso es muy recomendable siempre editar las etiquetas ID3 de tus MP3, pero si no lo haces por pereza o directamente porque se te olvida, una buena solución es editarlo dentro del propio Traktor.Para hacerlo, vete primero a Global Settings, luego a Browser Details y finalmente activa la opción “Allow Inline Editing in List Window” dentro de la pestaña Editing, de esta manera la próxima vez que te ocurra podrás editar directamente cualquier campo de la canción haciendo click dos veces encima del nombre que quieras editar.

Eso sí, la edición de los campos no se verá reflejada en la etiqueta ID3 de la canción, sólo lo reconocerá Traktor y nunca otras aplicaciones. Por otro lado, esta función no está disponible para los playlists importados desde iTunes.

5. Las Estrellas te ayudan a ordenar el caos en tu biblioteca musical: Al principio las Estrellas pueden parecerte ridículas en Traktor, las habrás visto en todo tipo de webs para votar sus contenidos, pero créeme cuando te digo que es una de las pocas funciones que de verdad ayudan a organizar esa gran cantidad de canciones que como buen DJ que eres deberías tener en tu disco duro.

Las estrellitas utilizadas sabiamente sirven para filtrar un poco el ruido, o lo que es lo mismo, las canciones muy buenas de las buenas o normalitas. Yo por ejemplo, simplemente doy 5 estrellas a las producciones que realmente pueden ser pinchadas. Pero también puedes darle 1, 2 y así hasta 5 estrellas según te gusten más o menos.Lo mejor de todo esto, es que cuanto tengas toda tu música clasificada según la cantidad de estrellas que tengas, sabrás de un vistazo lo que realmente se puede pinchar y lo que no.

6. Analiza siempre las canciones antes de una sesión: Este truco es más bien una obligación, es recomendable analizar tus canciones antes de pincharlas. Primero, porque te evitará problemas durante la sesión, ya que no tienes que preocuparte de si el pitch o el beatgrid es correcto, aspectos estos fundamentales para mezclar de manera adecuada ya sea con el famoso Sync activado o no.

Y segundo, porque el análisis de tus tracks es una de las operaciones que más recursos consume Traktor y a lo mejor esos recursos los vas a necesitar para otras tareas y pueden ocasionarte problemas de estabilidad e inclusive interrupciones de sonido en el momento más inoportuno.

7. Activa siempre la sincronización de metadatos a través de Dropbox: Desde la versión 2.6.3 de Traktor, la aplicación permite sincronizar los metadatos (beatgrid, cues, etc.) a través del popular servicio Dropbox. Aunque en la reciente versión 2.6.7 se desactivó esta opción temporalmente por un error grave del que tienes más información aquí, Native Instruments ha confirmado que estará disponible en la próxima actualización.

La sincronización vía Dropbox que al principio puede parecer una tontería, no lo es tanto si tenemos en cuenta la elevada posibilidad de que nuestro Traktor, que casi siempre corre en un portátil, pueda sufrir un daño irreparable que haga que el trabajo previo de semanas e incluso de meses de analizar una a una todas las canciones desaparezca de manera irremediable.

Ahí es donde entra en juego esta función, ya que con la sincronización lo que estás consiguiendo es una copia de seguridad de información muy valiosa para ti y para tu Traktor. Y encima vas a poder compartirla con otras instalaciones de Traktor y con Traktor DJ, la app que Native Instruments creó para el iPad. Por cierto, no te preocupes porque el tamaño de la sincronización no es muy alto y en absoluto va a ocupar un espacio considerable dentro de tu cuenta en Dropbox (puedes ver los archivos de la sincronización en tu cuenta de Dropbox dentro de la carpeta Native Instruments/Traktor).

8. Si utilizas controlador, por tu bien no actives esta opción: Los foros están llenos de problemas con Traktor y uno de los más habituales es aquel en el que parece que el programa no responde a las órdenes enviadas desde el controlador.

Tranquilo no han hecho magia negra sobre tu controller, es algo más mundano, has activado una opción que por defecto viene deshabilitada. Está situada en Global Settings, luego Loading y finalmente Resetting Controls y su nombre es “Reset all mixers controls when loading track”.

Como su propio nombre indica, si la activas estás reseteando los controles del controlador y cada vez que cargas una nueva canción, Traktor automáticamente sube los faders y sitúa los knobs en una posición neutral, con lo cual tus intentos por controlar la aplicación desde el controlador serán casi inútiles.

9. Acotar las búsquedas en el Browser: A medida que tu disco duro se vaya llenando de MP3, las probabilidades de encontrar lo que buscas disminuyen drásticamente. Una solución efectiva y muy fácil de aplicar es acotar las búsquedas al máximo.

Esa posibilidad se encuentra justo debajo de la casilla de búsqueda del Browser, concretamente si haces click sobre la la flecha que apunta hacia abajo al lado del típico icono de la lupa para las búsquedas.

Muchos DJs ni siquiera se han percatado de esa posibilidad, pero es francamente útil para buscar tracks por BPM, Bitrate, Género o cualquier otro tipo de clasificación y encontrar así rápidamente lo que estás buscando.

10. Usa siempre que lo necesites la herramienta Zoom: Ajustar correctamente el Beatgrid es probablemente la cuestión técnica más importante a tener en cuenta para que Traktor ofrezca todo el potencial que puede llegar a dar.

Dicho ajuste ha de hacerse en más ocasiones de las que nos gustaría de forma manual y para facilitarnos la vida, lo mejor es aplicar el Zoom en aquellas zonas más difíciles de ver a simple vista.

Teniendo en cuenta que la mayoría de las veces pinchamos en pantallas de como mucho 15 pulgadas, es bueno saber que podemos acceder a cualquier parte de la forma de onda (Waveform) siempre que queramos con el mencionado Zoom y ajustar así de manera milimétrica cualquier track.

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LUIS GERARDO GARCÍA SOTO

LUIS GERARDO GARCÍA SOTO

Conocido como SOLUYER. Nacido en La Unión (Valle del Cauca) con 17 años de edad, su interés profesional destacarse como el mejor dj productor de Colombia y lo está haciendo en la academia DNA MUSIC Bogotá, con el programa técnico laboral en edición, grabación, mezcla y masterización, apasionado por los subgéneros electro y progressive house. Puedes escuchar la mezcla realizada por SOLUYER en tornamesas Technics en el siguiente link:

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10 cosas que un DJ siempre debe llevar consigo

10 COSAS QUE UN DJ SIEMPRE DEBE LLEVAR CONSIGO

10 COSAS QUE UN DJ SIEMPRE DEBE LLEVAR CONSIGO 10 cosas que un DJ siempre debe llevar consigo

Mientras que la tecnología está liderando y dejando atrás algunas necesidades al momento que el DJ mezcle, siempre hay ‘pequeñas cosas’ que una computadora no puede resolver y que puede arruinar tu presentación… por más inteligente que sea la CDJ o el mixer.

Antiguamente, los CDs, cables y audífonos eran esenciales. hoy en día, tu puedes botar tus CDs y vinilos pero si tu laptop se daña o tu cable está mordido, puede ser que sea una noche terrible para ti y corres el riesgo de que no te vuelvan a llamar.

Sin embargo, si cargas religiosamente con estas cosas en tu maleta, puedes ser el próximo Macgyver de la electrónica y resolver todo problema en el instante.

Estaba navegando por Internet y me encontré este articulo con el que no puedo estar mas de acuerdo y que les recomiendo tener en cuenta para que no pasen una noche de sufrimientos.

1-Cables RCA

Aunque los cables RCA no son básicamente los ideas, muchos componentes de audio tienen estas entradas y salidas. Solo tienes que conectarlos de forma correcta y esto salvará tu set de cualquier situación.

2- Cables RCA para línea (1/8”)

¿Se te colgó la laptop a mitad del set? No te angusties, sólo conecta tus mp3 o smartphone y toca un track mientras que reinicias tu laptop.

3- Mini linterna

Si los LEDs o las luces que alumbran el escenario se queman o si el USB se te cae, este objeto puede servirte hasta para buscar tus llaves

4- USB

Nadie puede saber lo malo que te sucederá. Un USB lleno de música es compatible con todas las CDJs y DJs laptops. Además, puedes llevar música de más para hacer un after party.

5- Adaptador de audífonos ¼” y audífonos

¿Alguna vez has conectado este adaptador de ¼” y luego lo olvidaste? Ooops. Tener otro de repuesto siempre ayuda a menos que sepas mezclar sin audífonos como el master Steve Angello, como seguramente no somos el, no sobra recordar que aunque son nuestra herramienta básica de trabajo debemos siembre revisar que en nuestro morral estén siembre unos audífonos.

6- Cable USB

Cualquiera de nosotros se puede olvidar fácilmente de esto. Por eso siempre debes tener dos o tres de estos cables en el morral.

7- Cargador de energía de laptop

Estoy seguro que ves a mucha gente cargar su laptop durante la noche. Es una muy buena solución. Pero cuando tu laptop ya está recorrida, en cuestión de horas tu batería desaparece. Siempre es bueno llevar un cargador, incluso si es posible llevar incluso dos.

8- Botones de EQ y Fader

Siempre podrás pedir la última versión de las CDJs pero no siempre vendrán con un cable LAN. Muchas veces esto te puede salvar la vida.

10- Lentes de sol

Cuando pasas más de 6 horas en club trabajando y sales a las 7:00 am del club, puede sufrir una ligera invasión de luz a tus vampirescos ojos. Además de siempre lucir elegante y consumir mucho alcohol sin que nadie note tu estado.

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